Morrison Hotel - The Doors (1970)

Nota: 8+


Lista de canciones:

1) Roadhouse Blues
2) Waiting For The Sun
3) You Make Me Real
4) Peace Frog
5) Blue Sunday
6) Ship Of Fools
7) Land Ho!
8) The Spy
9) Queen Of The Highway
10) Indian Summer
11) Maggie McGill

Mejor canción: WAITING FOR THE SUN


Vuelta al blog. Hacía bastante que no lo tocaba. Aquí, de primeras, se me ocurren dos motivos por los cuales escribo tan poco. El motivo secundario es que, claro, los estudiantes de ingeniería nos sentimos un poco agobiados durante el curso (sólo un poco, en mi caso). El motivo principal es que soy bastante vago. Qué se le va a hacer, hay que descansar del curso, que me lo he ganado.

Bueno, hoy retomamos a los Doors con su quinto, y penúltimo, álbum, Morrison Hotel. Echemos la vista atrás, a los cuatro álbumes anteriores. Empezaron con The Doors, un álbum rockero, oscuro, fresco, novedoso, sobresaliente. Dicho álbum fue inmediatamente superado por la obra maestra del grupo, Strange Days, donde llevaron su estilo oscuro hasta la más extrema genialidad, mezclándolo con toques pop-rock, creando una mezcla curiosa y efectiva. Con Waiting For The Sun, bajaron mucho el nivel. La oscuridad dio paso a la luz y al pop simple. Algunos temas eran buenos, otros recordaban épocas pasadas, pero el tono general del álbum carecía de la seriedad de los anteriores. Un álbum bueno, aunque no sobresaliente. En The Soft Parade, llevaron el pop hasta el extremo. Aunque esto podría parecer malo, hay composiciones aquí que destacan por encima de cualquier cosa de Waiting, por lo que me parece superior.

Con este álbum, se podría decir que los Doors vuelven a sus raíces, pues esto es un álbum de rock. Por otro lado, la oscuridad sigue estando poco presente. Se trata de un rock más convencional que el que tocaban al principio de sus carreras. Por ello, este álbum sigue sin parecer tan interesante como los dos iniciales, pero se muestra mucho más regular que sus dos predecesores. Los Doors fueron una gran banda de blues-rock, y no solo destacaron por su estilo único e inconfundible de sus primeros discos. Aquí, queda demostrado. Cuando un grupo como el que era éste, caracterizado por su oscuridad, se pasa al pop simplón, uno puede pensar que estamos ante la muerte del grupo. Los Doors se las arreglaron perfectamente para sobrevivir, haciendo dos álbumes de calidad inferior a su época álgida, pero decentes y perfectamente pasables. Cualquier grupo del mundo, menos los Beatles, firmarían que su peor disco fuera del nivel de Waiting y Parade. Y algunos todavía firmarían que su mejor disco fuera como ellos.

El álbum arranca con Roadhouse Blues, lo cual es una buena forma de arrancar. Suele ser preferible arrancar con una pieza contundente que con una suave. Además, en este caso, se puede decir que es representante de lo que va a ser el disco, y del cambio del disco predecesor a éste. Después de los tintes pop de los anteriores, uno escucha esto y ya intuye algo. El tema es poco novedoso y no tiene algo en concreto que destaque, simplemente es una pieza de rock cojonuda, que aprieta de principio a fin.

Waiting For The Sun, que curiosamente se llama como el álbum dos años anterior a éste, es tan buena, o mejor, que la primera canción. En este caso los Doors dejan de ser tan directos y buscan mezclar su nuevo estilo con el estilo clásico de Strange Days. Precisamente, considero que esta canción tiene calidad de sobra para haber pertenecido a dicho álbum. El riff de órgano es de lo mejor de la carrera de los Doors.

You Make Me Real es, posiblemente, el tema más beatlesco de los Doors. Es un tema alegre y frenético. Aunque no lo considero una gran canción, es de este típico relleno agradable que siempre está bien.

Vamos uno de los grandes hits de los Doors, Peace Frog. Una gran línea de bajo y de teclado abren la canción. También me parece destacable su parte intermedia. Es menos dura que Roadhouse Blues, aunque similar en estructura. No sabría con cuál de las dos quedarme. Aunque bueno, aquí no hay que elegir, ¿no? Simplemente, estamos ante uno de los momentos del disco.

Blue Sunday es de lo peor del disco. Es de esas canciones suaves, tan suaves que son tan relajantes como aburridas. No estoy para nada en contra de las canciones lentas, de hecho el estilo clásico de los Doors no se basa precisamente en ritmos frenéticos, y yo amo ese estilo. Simplemente, es como si la canción no tuviera nada interesante.

Las dos siguientes canciones son las típicas animadas, no duras, pero tampoco lentas. Se trata de Ship Of Fools y Land Ho!. Tampoco son joyas, pero, al igual que You Make Me Real, creo que se trata del típico relleno agradable. Hay discos que, a pesar de tener grandes canciones, quedan arruinados por sus temas flojos. De hecho, creo que una de las cosas por las que este álbum es mejor que sus predecesores, es por la calidad de su relleno (en The Soft Parade hay temas tan buenos o mejores que los hits de este álbum). Este tipo de canciones no suma gran cosa, pero no resta, y mantiene la consistencia del álbum.

Ahora vamos con The Spy. Estamos ante una canción lenta, y, al contrario que Blue Sunday, es totalmente atrayente. Uno de los momentos del disco. La canción no tiene gran complejidad musical. Una de las máximas de la música rock es que la complejidad no implica calidad. Por su puesto, a mí me fascina escuchar alguna maravilla de Yes o Genesis, pero también disfruto con un tema tranquilo de, yo que sé, la primera época de los Beatles.

La siguiente es otro hit, aunque a mí me parece inferior a otros temas del disco. Queen Of The Highway es buena, aunque no sé si marcarla en rojo en la lista de canciones. Es superior al relleno del álbum, pero creo que es un punto inferior a The Spy, Waiting, etc. Como punto positivo, tengo que decir que la voz de Jim suena genial aquí. Pero creo que le falta algo para convertirse en temazo. En todo caso, buena canción.

Indian Summer es similar a Blue Sunday. Lenta y poco interesante. Sin embargo, creo que tiene un punto más de interés. Tiene un tono a The End que me gusta.

Maggie McGill cierra el álbum con un tema de rock, pero lo encuentro un poco más torpe que Roadhouse Blues y Peace Frog. Es una buena canción, pero, al igual que a Queen Of The Highway, creo que le falta un punto de genialidad que otros temas sí tienen.

En fin, creo que se puede decir que hubo un cambio de estilo de The Soft Parade a esto. Los Doors encontraron un nuevo estilo aquí, y aunque este álbum no es ninguna obra maestra como lo fue Strange Days, y no es tan superior a sus dos predecesores como podría parecer, supuso una bocanada de aire fresco al grupo.

Aqualung - Jethro Tull (1971)

Nota: 10+

Lista de canciones:

1) Aqualung
2) Cross-Eyed Mary
3) Cheap Day Return
4) Mother Goose
5) Wond'ring Aloud
6) Up To Me
7) My God
8) Hymn 43
9) Slipstream
10) Locomotive Breath
11) Wind-Up

Mejor canción: AQUALUNG

"Sun streaking cold,
an old man wandering lonely.
Taking time,
the only way he knows."


Llevaba bastante tiempo sin tocar el blog. Varios factores han influido en este hecho. Uno de ellos es que mi vida es dura. Sí, tengo que estudiar mucho. Poco tiempo libre, y cuando lo tengo, suelo gastarlo escuchando música, durmiendo, comiendo, saliendo o jugando a la Play. Ese es un motivo importante. Pero hay otro que lo es todavía más, y es que soy vago. Cuando llegó la Navidad, me llevé el portátil a Ponferrada, lugar donde paso mis vacaciones, entre otras cosas, porque pensaba retomar esto, pero no. Soy poco constante en este tipo de cosas, qué le voy a hacer. Es una Fuerza Superior que me puede.

En fin, el caso es que ahora estoy escribiendo esto. Veamos, nuevo grupo en el blog. Unos tíos con pinta de ser de todo menos estrellas del rock, conocidos como Jethro Tull. El grupo estaba compuesto por Ian Anderson, flautista, guitarrista, compositor y vocalista; Martin Barre, guitarrista (exquisito guitarrista, por cierto); Jeffrey Hammond, bajista; Clive Bunker, batería; y John Evan, teclista. Jethro Tull sufrió muchos cambios en su alineación, pero esta es la que presentó en Aqualung, disco que analizo hoy.

¿Cómo se podría definir el estilo de estos tipos? Pues la verdad es que es más complicado que en la mayoría de grupos. Aunque se suelen clasificar como progresivos, la mayoría de sus discos no lo son. De hecho, este álbum, menos algunos toques, dista bastante de ser una obra de rock progresivo. Se podrían clasificar como puramente progresivos a Thick As A Brick (obra maestra del grupo) y A Passion Play. En realidad, su estilo es una mezcla de rock puro, folk rock y rock progresivo, y depende del álbum, habrá más de una cosa y menos de otras. Concretamente, en Aqualung, predomina el rock puro, con algunas canciones claramente marcadas por el folk rock, y algún pequeño detalle progresivo. Pero como todas las cosas, para saber a qué nos enfrentamos, hay que escuchar el disco.

Este disco me lo regalaron hace un año. Fue un acierto total, pero se quedó un poco eclipsado por Thick As A Brick. Pasó que me lo compré poco después, y me voló la cabeza de primeras. Para mí, es top-5 histórico, aunque no lo considero el mejor disco de rock progresivo de la historia (ese honor es para Selling England By The Pound). Pero eso no quiere decir que este no sea bueno. Lo es, sin duda.

¿Virtudes de este álbum? La principal es la consistencia. Si bien hay temas menores, cortos, que no tienen mayor función que relajar y rellenar, no hay un solo tema malo en este disco. Y no solo eso, encima hay verdaderos temazos en este disco. Cortita y al pie: ningún tema malo, muchas canciones buenas: parece que se lleva el diez.

Un fallo importante es la producción. Escuchas la canción titular y te deja a medias. Por un lado, intuyes que estás ante un riff mítico, ante un solo devastador. Pero por otro lado, no termina de concretarse. El riff de Aqualung es mi riff favorito de la historia de rock, pero siempre me había jodido su producción. Este fallo no es imputable al grupo: poderoso caballero es don Dinero, y en esta época Jethro Tull todavía no era tan famoso. Sin embargo (EDIT), hace poco compré una edición remasterizada por Steven Wilson, que corrige todo esto. Es una producción mucho mejor, con la que los enormes riffs de este álbum se ven tremendamente mejorados. Por ello, se podría decir que este error fue subsanado por las nuevas tecnologías y el paso del tiempo: el primer minuto de Aqualung vuela la cabeza a cualquiera que lo escucha.

Dejémonos de análisis filosóficos y vamos al grano. La canción inicial, y titular, es de esos especímenes raros que tienen uno de los mejores riffs de la historia y uno de los mejores solos de guitarra en la misma canción (casos similares: Bohemian Rhapsody, Stairway To Heaven,,,). Si bien Jethro Tull es muy bueno en esto de los riffs, el de Aqualung es especialmente abrumador. Es agresivo, no te deja indiferente, te ataca, hace que digas "hostia puta". No sé si me explico, pero vamos, que es la hostia. Es posible que sea, para mí, el mejor riff de la historia. La canción se divide en varias partes: la inicial, la del riff. Es excelente, la forma en la que Anderson se alterna con el riff y cómo describe a Aqualung (el mendigo del que trata la canción). Tras esto, pasamos a una parte algo más lenta, que también presenta un buen riff. Y tras esto, el SOLO. Es increíblemente rápido y suena genial, Martin Barre está de genio aquí. Me parece un ejercicio de virtuosismo, pero no solo eso, encima el solo tiene pegada, gancho. Es uno de los mejores solos de la historia, sin duda alguna. Después del solo, una parte más lenta y se vuelve al tema principal, con el gran riff volviendo a sonar.

La segunda canción, Cross-Eyed Mary, es una canción de rock bastante duro con algunos toques folk, con esa gran flauta que caracteriza a Anderson. La introducción, con ese crescendo de flauta, con ese toque misterioso, es de lo mejor de la canción. Luego pasamos a un terreno rockero, dominado por una guitarra eléctrica poderosa. La canción es de lo mejor del álbum, tiene un punto de dureza y muy buenos ganchos.

Cheap Day Return es una de las tres canciones que actúan como pequeños intermedios, que no tienen mucho que decir. Es simple, corta, agradable, sin más. No se pueden sacar más conclusiones de ella.

Mother Goose es, junto a los tres pequeños temas, el único claramente folk. Y es excelente. Una cosa que yo valoro mucho de la música es la capacidad de provocar sensaciones, la capacidad de llevarte a otra parte... Jethro Tull siempre fue capaz. Concretamente, su estilo propiciaba que te transportaran a una época medieval. Esto se ve en esta canción. Esas flautas y esa guitarra acústica interactúan a la perfección en la que es uno de los mejores temas folk de Jethro Tull.

Wond'ring Aloud es otro tema corto, pero este tiene más gracia que Cheap Day Return, aunque no deja de ser una especie de canción para dejar pasar el tiempo, pero muy bien construida.

Up To Me es una de las canciones más raras. En ella se mezcla el folk rock y el rock más convencional. Es una buena canción: las estrofas tienen una gran melodía, con mucho gancho, pero el estribillo y el riff me dejan un poco frío. Me parecen un poco forzados y acaban cansando. La canción no está mal, de todas formas.

My God es la obra más grande de aquí, y lo más progresivo que os vais a encontrar. Empieza lenta, con una guitarra acústica, pero va cobrando fuerza hasta explotar en un riff agresivo, muuuy bueno. Lo mejor es que cuando todavía no te ha dado tiempo a asimilar el riff, cambia y pasa a otro riff igual de excelente. Tras esto, llega la parte mística: las flautas. A gente poco acostumbrada a Jethro Tull le va a costar, pero ejque suena de puta madre. Luego vuelve a los riffs de antes. Es, quizá, la canción que menos gente dejará indiferente. La más atrevida. Yo pertenezco al grupo de los que piensan que es una gran canción, aunque no la considero la mejor del disco. Complejidad no tiene por qué equivaler a calidad.

Hymn 43 es lo opuesto a My God. Una canción de rock puro, que posee cierto grado de dureza. Las diferencias no me impiden disfrutar de las dos, aunque esta se acerca mucho más a lo que es la típica canción de rock. Menos flautas y, en su lugar, un riff simple y directo. La canción, en su estilo, es muy buena. Ya dije de la consistencia de este álbum.

Slipstream es el último de los tres cortos. Como los demás, no tiene mucho que decir.

Locomotive Breath se trata de otro tema de rock puro, aunque tiene el elemento diferencial (entiéndase diferencial como que marca la diferencia con respecto a otras canciones, las derivadas no tienen nada que ver con esto) de una introducción de piano, bastante lenta. Tras esta introducción, de más de un minuto, aparece un buen riff de guitarra, que además, simula el sonido de una locomotora. Un gran truco.

Por último, tenemos Wind-Up, que bien podría ser la antítesis de Aqualung. Esta sigue el patrón rock-balada-rock, mientra que Wind-Up es balada-rock-balada. La parte de balada, que, al contrario que la mayoría de canciones lentas del disco, no tiene elementos folk, es muy buena. Una gran melodía, para dar paso a un gran riff (otro más, sí). Esta parte, la de rock, es de los momentos más movidos y con más gancho del álbum. También tiene un buen solo. Tras esta parte dura, vuelven los tonos lentos, en una balada que va ganando en intensidad. Y así se cierra el álbum.

Creo que lo he dicho todo. Un gran álbum, de un grupo peculiar, con un estilo diferente, marcado por el folk rock y el rock puro, pero que tiene sus defectos, además de que no es la obra maestra del grupo. Aun así, si te gusta el rock, esta es una gran opción.

Foxtrot - Genesis (1972)

Nota: 9+

Lista de canciones:

1) Watcher Of The Skies
2) Time Table
3) Get 'Em Out By Friday
4) Can-Utility And The Coastliners
5) Horizons
6) Supper's Ready

Mejor canción: SUPPER'S READY

Pues parece que voy a retomar el blog después de mucho tiempo. La verdad es que no tengo excusa. O más bien, la tuve hasta mayo, pues en ese tiempo, de verdad, estuvo bastante atareado en cuanto a cuestiones universitarias, pero a partir de entonces he estado vagueando que daba gusto. Así que, ahora que me ha venido la inspiración, vamos a escribir este artículo para el blog.

Como, con total seguridad, habéis leído en el blog, he analizado Nursery Cryme y Selling England By The Pound, dos álbumes del Genesis de Peter Gabriel, y dos de los mejores discos de rock progresivo. Sin embargo, no fui lineal con estos álbumes: no analicé el álbum que hay entre ambos, y ese no es otro que Foxtrot. Y de hecho, fue mi primer álbum de Genesis. Tenía intención de comprar alguno de los ya analizados en esta página, pero en la tienda solo tenían este y alguno de la época pop. Consecuencia de lo que es el rock progresivo: un género no apto para cualquiera, incomprendido. Solo un grupo ha conseguido escapar y llegar a otras cuotas de comercialización, el fluido rosa.

Hay grupos que, aunque alguien no sea fan, incitan a simpatizar con ellos, a disfrutar de sus canciones a pesar de no admirarlos. Por ejemplo, es fácil que una persona que no sea fan de los Beatles disfrute con sus canciones porque son un grupo universal, que toca muchos palos y con una música asequible para todos. No me malinterpretéis porque soy admirador de los Fab Four y, de hecho, tengo unos cuantos álbumes analizados en la página, con generosas notas. Genesis es el caso contrario, es un grupo que, si no estás muy predispuesto a escucharlo, si no sabes lo que es el rock progresivo, o si no afinas un poco el oído, te resultarán como un grupo rimbombante, con falsas pretensiones de grandeza. A la gente le gustan canciones de tres minutos con coros agradables, melodías pegadizas y pequeños toques de guitarra. A la gente no le gustan canciones de veintitrés minutos, con pasajes de mellotrón de dos minutos, con solos virtuosos y con letras raras. Pues eso es Genesis. La verdad es que me alegro de haberlos encontrado. Ya el nombre, incita a la grandeza, a escsucharlos. Y es que, aunque parezca banal, el nombre puede influir en escuchar un grupo o no: un nombre como Genesis o King Crimson incita más que The Killers, por ejemplo. Bueno, voy a dejarme de rollos, empezaré con el disco.

En los dos discos que he analizado ya, se apreciaba una división entre las canciones épicas, de entre 8 y 12 minutos de largo, que eran el grueso del disco; y canciones cortas, de entre 2 y 5 minutos, que eran pequeños pasajes de descanso entre las épicas y que no solían tener mayor importancia. En este álbum, a grandes rasgos, se puede decir que vuelve a pasar, pero ya no es tan claro. Tenemos Watcher Of The Skies, de 7 minutos, es decir, más pequeña que las épicas normales; tenemos Get 'Em Out By Friday, una épica como las de siempre; y tenemos Supper's Ready, la mayor épica de Genesis, de 23 minutos. Las demás canciones responden al estereotipo de canciones cortas.

Empezaremos por orden, con Watcher Of The Skies. No solo es más pequeña que las típicas épicas de Genesis, también es diferente por más cosas. Principalmente, por ser mucha más coherente entre sus partes. Me explico: en las demás épicas, siempre había saltos que hacían parecer que dichas épicas eran un conglomerado de canciones. Aquí, no. Da la sensación de que en Watcher Of The Skies todo es más plano, no hay tanto cambio, sin que ello sea malo, pues la canción es muy buena. La canción empieza con un mellotrón que no me provoca nada especial, para empezar con un riff que se repite durante toda la canción, que es el verdadero aliciente del tema. Es un riff brutal, sin duda. La canción es pegadiza y con un buen estribillo, y el final, como Genesis acostumbra, fabuloso.

Continuamos con la primera de las canciones cortas, aunque no es tan corta: Time Table dura casi 5 minutos. Se trata de una agradable balada de piano, con un buen estribillo y unos buenos toques de xilófono. En resumen, que, sin ser una gran épica de las que Genesis ha dado, es una canción plenamente disfrutable y sirve de relajante para la épica que viene.

Esta no es otra que Get 'Em Out By Friday. Es una épica que podría recordar a The Return Of The Giant Hogweed. En este caso, el tema elegido no es de menos. Si en Hogweed se hablaba de un perejil gigante asesino, aquí se habla de reducir a la población para que así quepa más gente en las casas. Sí, es de locos. La voz histriónica de Gabriel representa con genialidad al personaje que quiere reducir a la población, mientras que se intercalan pasajes más suaves y tranquilos para representar a los reducidos. Es de las épicas más "locas" de Genesis. Es buena, pero inferior a todas las épicas de Selling England By The Pound y está empatada con las de Nursery Cryme. Con el tiempo, he aprendido a apreciarla. Antes, me costaba más que con las épicas de los álbumes anterior y posterior, pero he logrado asumir la locura de la canción.

Sigamos con Can-Utility And The Coastliners, una canción que está a medias entre épica y canción normal. Digamos que es una canción grande con algún tinte de épica. Está muy poco conexa, tiene bastante pasaje instrumental y, aunque no deja de ser un aperitivo para lo que es una verdadera épica Genesis, no está mal y me parece una canción maja.

Horizons es la más corta, menos de dos minutos, y seguramente lo menos bueno del disco, aunque tampoco es mala.

Y ahora sí, llegamos al clímax del disco. La mayor épica jamás concebido por Genesis, Supper's Ready. Se trata de un tema de 23 minutos, que se divide en varias partes, cada una con su nombre. Empezaré por el principio.

_Lover's Leap es la primera parte, y se trata de un tema lento, agradable, donde Peter Gabriel da un buen rendimiento a su voz. Tras esto, llegamos a un pasaje de guitarra, agradable, pero pesado por lo largo y plano que es. Así, llegamos a la siguiente parte.

_The Guaranteed Eternal Sanctuary Man es de mis partes favoritas de la canción. De repente, entra Phil Collins con la batería y entramos en una de las partes más animadas de la canción. Es pegadiza y atmosférica. Tras su corta duración, se produce un abrupto frenazo para dar paso a la siguiente parte.

_Ikhnaton And Itsacon And Their Band Of Merry Men es otra parte "feliz". De hecho, es la parte más alegre. Tras el frenazo anterior, vuelve a entrar Phil Collins en la batería para dar un ritmo alegre y rápido, en una parte frenética. El teclado de Banks también está a la altura. Tras esto, un buen mini-solo de Hackett para entrar en una parte más lenta pero no menos agradable. Gabriel hace un gran trabajo con su voz, muy agradable.

_How Dare I Be So Beautiful? es la parte más lenta de la canción, demasiado lenta y plana, para mi gusto. Dura poco pero no aporta nada.

_Willow Farm es la parte histriónica del tema. Los arreglos aquí no intentan ser agradables ni relajantes, sino que intentan provocar, como muchas veces Genesis ha hecho. Es de las mejores partes de la canción. La voz de Gabriel, impresionante.

_Apocalypse On 9/8 es la parte más dura de la canción, y a mí no me gusta especialmente. Genesis se caracteriza por otras cosas y no por su dureza, y esta parte no me aporta nada a lo que es Genesis.

_Y llegamos al final con As Sure As Eggs Is Eggs. El clímax de la canción y del álbum. Se trata de una repetición, en primer lugar, de Lover's Leap, pero sobre todo, de The Guaranteed Eternal Sanctuary Man. Solo que aquí todo está magnificado, esos arreglos que antes eran relajantes y agradables aquí son poderosos y omnipresentes, esa voz de Gabriel que antes era tranquila y recatada aquí está a plena potencia. Esa sensación terrena que transmitía la parte original se transforma en una sensación divina, de que no es de este mundo, en este final. El final perfecto para Supper's Ready.

Seguramente sea más inconexa que cualquiera de las grandes épicas de Genesis, y es por eso que no es su mejor canción, pero tiene otras cosas que aportar. Un clásico.

Pues aquí está Foxtrot, un gran álbum de rock progresivo, que sería el preludio de lo que fue el verdadero éxito de Genesis y del género, Selling England By The Pound.

Wish You Were Here - Pink Floyd (1975)

Nota: 10-

Lista de canciones:

1) Shine On You Crazy Diamond (Parts I-V)
2) Welcome To The Machine
3) Have A Cigar
4) Wish You Were Here
5) Shine On You Crazy Diamond (Parts VI-IX)

Mejor canción: SHINE ON YOU CRAZY DIAMOND


Nueva banda en el blog. Casi nada, Pink Floyd. Y uno de sus mejores álbumes.

Pink Floyd es un grupo que ha pasado varias etapas: empezó siendo un grupo de rock psicodélico extremo, liderado por Syd Barrett. Tras su marcha, pasaron por algunos álbumes sin un rumbo claro. Ya con Meddle se empezaban a intuir cosas, pero el salto final fue con The Dark Side Of The Moon en 1973, su álbum más vendido y creo que el segundo más vendido de todos los tiempos de todos los artistas. Después de él vino este, que no tuvo tanto éxito en ventas, aunque para mi gusto es superior. Pink Floyd no deja de ser una banda de rock sinfónico/progresivo en este álbum, es decir, hay cosas en las que se parece a su antecesor, pero también hay cosas en las que se diferencian. En general este álbum me parece más tranquilo que su antecesor: solo hay que ver a la gran Shine On You Crazy Diamond o Wish You Were Here. Tiene sus momentos más duros en Have A Cigar, y, sobre todo, en Welcome To The Machine.

Transmite una sensación diferente a la de The Dark Side. No sé muy bien cómo definirlo, los arreglos son diferentes. Para verlo debéis escucharlo, pero en general pienso que Wright está mucho mejor aquí que en el álbum anterior. Me parece que aquí todo está más pulido y logrado, de hecho solo hay una canción que, si bien no es mala, no me termina de convencer. Tiene la desventaja con respecto al Dark Side de ser el segundo en llegar y ya no había novedad, pero me parece que todo funciona mucho mejor aquí.

La forma de criticar este disco suele venir por la tranquilidad, sus críticos tienden a ver en él un Dark Side blandengue. Y en cierta forma tienen razón, es un álbum menos duro que el anterior, pero hablan como si Pink Floyd se hubiera hecho famoso por la excesiva dureza de sus canciones. Pink Floyd es una banda que siempre ha sabido medir muy bien cómo funcionarían sus canciones, para escuchar dureza sin control podéis escuchar algo de punk o metal. Esto es un nivel mucho más alto de calidad. Pocos grupos están al mismo nivel que Pink Floyd de su época dorada.

Vamos a centrarnos un poco más en el disco. De este disco, hay una canción que ocupa la mitad y que merece un artículo a parte. Se trata de Shine On You Crazy Diamond. Esta divida en dos partes, la primera canción y la última, y estas a su vez se dividen en nueve partes bien diferenciadas. Para mí, la mejor canción de Pink Floyd y candidata a la mejor canción de la historia. Ahí con las Bohemian Rhapsody y las Dancing With The Moonlit Knight. Dura 26 minutos y no aburre ninguno. No le voy a dedicar un artículo a ella sola pero la analizaré la última y con más tiempo y dedicación, porque lo merece. Es el alma de este álbum, este disco podría ser un buen disco sin ella, pero es que es ella quien marca la diferencia de ser un buen álbum a ser un álbum excelente.

Bueno, pues entonces empezaré por las otras tres canciones. Welcome To The Machine es la que menos me convence. Me gusta a ratos. Si hay algo claro es que es la canción más dura del disco, tanto musicalmente como líricamente. Se trata de una crítica a la industria musical. Me gusta la acumulación de tensión que produce: es curioso, pero se trata de una canción sin percusión (salvo algún toque puntual), cuyo ritmo está dominado por el bajo de Roger. Los tremendos solos de Richard producen una tensión increíble pero que no me sirve para poder considerarla una gran canción. Debería tener algo más. La vocalización, además, es irritante. La tensión de la que hablaba puede molar las primeras veces pero ha medida que la escuchas más se vuelve un poco más irritante. Es una buena canción, muy particular y especial, pero no una gran canción.

Similar en tema y superior musicalmente es Have A Cigar. A Roger no le gustaba cómo la cantaba él mismo y le pidió a David que lo hiciera, pero se negó. Por eso, la acabó cantando Roy Harper, bastante bien, para mi gusto. En esta canción, menos particular que la anterior, vuelve a destacar Richard con sus teclados. La melodía, el ritmo, los arreglos... son superiores a Welcome To The Machine. Es menos rarita, e impresiona mucho menos a la primera, segunda o tercera escucha, pero a medida que las escuchas te va gustando menos Welcome To The Machine y más esta. Antes no la apreciaba mucho, de hecho. Es que, en efecto, es la que tiene menos "cositas" para destacar. Es obvio que Shine On y Wish You Were Here destacan por su condición de megahits, y de entre las demás, Welcome To The Machine destaca más por sus rarezas, ya sabéis, la no-batería, el ritmo del bajo, los teclados con la tensión... Esta es una canción mucho más normal. Pero dadle una oportunidad. Es muy buena. Gilmour y su guitarra demuestran estar muy en forma aquí.

Después viene el gran éxito del disco. La pista titular. Se trata de una balada muy buena, aunque creo que tiene una fama desmesurada para lo que es. Que sí, que es muy buena, pero hasta ese punto... No es ni la mejor del disco. Pero tampoco es culpable de la fama que tiene, así que no la juzgaré por eso. La forma en la que comienza, con la guitarra, es muy buena y relajante, una voz perfecta de David Gilmour, una melodía buenísima, arreglos buenísimos y Richard también muy bien con los teclados. Las partes del medio, que no están cantadas, son especialmente relajantes. Tampoco voy a hablar mucho de esta canción porque hay pocas cosas que no se sepan. Es de las más conocidas del grupo.

Y ahora sí, llega la gran canción. O las grandes canciones, depende de cómo lo entendáis. ¿Es una canción? ¿Son dos canciones? ¿O son nueve? Vamos a ver: es una canción, que se divide en dos partes, que a su vez se dividen en nueve (la primera parte en cinco y la segunda en cuatro). Que no os explote la cabeza, no es tan complicado el tema. Debo decir que este tema es, para mí, la mejor canción de Pink Floyd. Si la contamos entera. Si contamos alguna parte a lo mejor también, pero me sienta como el culo tener que referirme a Shine On You Crazy Diamond la primera y Shine On You Crazy Diamond la del final. Y peor me sienta decir señalar una como la mejor canción, como dejando a la otra a un nivel inferior. La tendencia de los críticos es señalar la primera de las dos como la verdadera obra maestra y la segunda como "una buena canción que más o menos se le parece". Ni puta idea. A veces estoy más por la primera parte y otras por la segunda, lo que me lleva a pensar que no me puedo decidir. Son igual de geniales y forman un todo. Por eso las analizaré a la vez. Y por eso no elegiré a una sola de ellas como mejor canción. Empecemos.

Shine On You Crazy Diamond empieza con su parte más lenta. En efecto, la Parte 1 es la más lenta junto con la última. Esto lo podéis poner cuando necesitéis relajaros y no sepáis cómo. Primero el encargado de relajar cuerpo y mente es Wright con los teclados y luego Gilmour con la guitarra. Es increíble el poder que tiene esta parte. Es que es de una sutileza... increíble. No podía haber mejor manera de empezar el tema.

La Parte 2 comienza con una secuencia de cuatro notas que tienen más grandeza que cualquier secuencia de 5489613 notas que podáis oír. La secuencia se repite cuatro veces para dar entrada a la batería de una forma espectacular, increíble, para entrar en una de las partes más poderosas del tema. La guitarra de Gilmour en plena forma, dejando varios solos para la historia. Interactuando con bajo y teclados.

La Parte 3 comienza con una rotura de la parte anterior, para dejar que Wright use el teclado para relajar un poco el tema. Tras esto, vuelve otra vez el gran David, con más material de antología, dándole otra vez ritmo al tema. Todo sigue estando perfecto, todo en perfecta armonía.

Así, tras más de ocho minutos, llegamos a la Parte 4, la primera parte cantada. La voz es perfecta. Todo. El estribillo, especialmente. Pero si hay algo que me pone los pelos de punta es el minisolo que hay en medio. Es sencillamente, increíble. Tras el espectacular solo, vuelve a la carga con la parte vocal, genial, como antes, para enlazar con la Parte 5. Cabe mencionar que en la Parte 4 todo, teclados, voz de Roger, David, sigue estando perfectamente cohesionado. David destaca en esta parte por su guitarra (y su ya comentado solo) y Roger con una perfecta voz.

La Parte 5 consiste en un solo de saxofón. Me gusta pero es la única que, a mi gusto, flojea un poco. El solo está bien, pero no me parece que llegue a la genialidad de las demás. Es mi opinión, habrá a quien le encante.

Y pasamos a la segunda parte del tema, con la Parte 6. Empieza muy lenta, con un tranquilo ritmo del bajo de Roger pero pronto irrumpe un sintetizador de Richard increíble, para variar. Al principio sigue lento, pero pronto coge ritmo para empezar la parte más rápida del tema. A él se une David con su guitarra. Tras cuatro minutos de teclados y guitarras, la guitarra de David cambia de ritmo para entrar en la Parte 7, la segunda y última parte cantada.

En esta parte el motivo es el mismo que en la Parte 4. La guitarra entra para repetir el genial minisolo de la Parte 4 y así da comienzo a la parte cantada, más corta. La guitarra suena en esta un pelín más grave y "menos alegre" que en la Parte 4. Tras un minuto y medio, se entra en la Parte 8.

Esta podría ser conocida como la "parte jazzera" del tema. A mí no me gustaba anteriormente pero poco tardó en cautivarme. Esos teclados de Richard sutiles te acaban atrapando. Poco después cambia de teclado para hacer un ritmo increíblemente cautivador. Te provoca sensaciones increíbles pero indescriptibles. La música se va apagando para dar paso al colofón del tema, la Parte 9, la última.

Esta última parte es mi favorita del disco y mis cuatro minutos favoritos de Pink Floyd. Es un réquiem, una marcha funeraria. Tranquilos, no transmite nada de mal rollo. Al contrario, es de una tranquilidad increíble. Esta parte es clarísimamente dominada por Richard Wright, again, aquí más genial que nunca. Es que es una melodía sumamente cautivadora. Si te tumbas en la cama, te pones esto y cierras los ojos... Esta parte es genial, pero podría destacar su último minuto. La batería desaparece, para dar paso a la parte más lenta del tema. Este minuto es el más increíble del álbum y de todo Pink Floyd. El último minuto de Shine On You Crazy Diamond. Es que no sé cómo describirlo, debéis escucharlo. Aunque tampoco tendría mucho sentido si no escucháis el resto. Bueno, imaginad lo que he dicho antes del tema pero multiplicado por 1000. La tranquilidad, esa sensación reconfortante... Definitivamente, Richard Wright es un genio. Me pone los pelos de punta cada vez que la escucho.

Y esto es Wish You Were Here, señores. Un gran disco que cuenta con tres buenas canciones, pero que si destaca por algo es por ese monstruo llamado Shine On You Crazy Diamond.

Sheer Heart Attack - Queen (1974)

Nota: 7+

Lista de canciones:

1) Brighton Rock
2) Killer Queen
3) Tenement Funster
4) Flick Of The Wrist
5) Lily Of The Valley
6) Now I'm Here
7) In The Lap Of The Gods
8) Stone Cold Crazy
9) Dear Friends
10) Misfire
11) Bring Back That Leroy Brown
12) She Makes Me (Stormtrooper In Stilettos)
13) In The Lap Of The Gods... Revisited

Mejor canción: IN THE LAP OF THE GODS... REVISITED

Este álbum es del mismo año que su predecesor y resulta que es completamente diferente. Queen II era oscuro, grandilocuente, y poco comercial. Esto es algo, por así decirlo, más convencional. La oscuridad desaparece, prácticamente, por completo, para dar paso a algo mucho más comercial y convencional. Aquí no encontramos temas tan duros como Ogre Battle o Father To Son (a excepción de Stone Cold Crazy). Hay rockers, sí, pero son más tranquilos. No encontraremos canciones con la atmósfera de las que traía su predecesor, aquí las canciones, como ya he repetido anteriormente, son tirando a normales. Añado que, si su primer pequeño éxito lo traía Queen II, su primer gran éxito, Killer Queen, está aquí. Con este disco, ya estaban casi en la cima. Cima que conquistarían el año siguiente, con A Night At The Opera, convirtiéndose en la banda más importante del mundo.

Vamos a ver, este álbum está bien. No es malo. Me cuesta decir una canción que se pueda calificar de "horrenda", porque creo que no las hay. Pero, aun así, creo que es inferior a sus antecesores. Quizá sea por ese "estar en medio de todo". Queen era muy rockero y Queen II destacaba por su oscuridad. Pero este, ¿por qué destaca? ¿En qué aspecto sobresale? Precisamente, si hay que destacar algo, no sería algo en concreto, sino precisamente eso, su eclecticismo, su variación. Pero destacar eso siempre es menos, no sé, menos atrayente, normalmente atraen más los álbumes centrados en una idea concreta que los que son un puñado de canciones variadas juntas. Bueno, vamos con las canciones.

El disco abre a todo trapo con Brighton Rock, uno de los clásicos de Queen en los conciertos, donde adquiría enormes longitudes para lucimiento de Brian May, protagonista absoluto del tema. Y es que este tema tiene un enorme solo en medio. No será el mejor solo de Queen, para nada, sino que es algo donde el genio de Brian puede lucirse y dejar constancia de todo lo que sabe hacer con la guitarra. Me gustan más los solos normales pero no está mal si tenemos en cuenta para qué está pensado. Por otro lado, la parte cantada es buena. Sobre todo el estribillo del principio, estos tíos eran capaces de hacer cosas pegadizas en cualquier momento. Y esos cambios de agudo a grave de Freddie... uf.

El gran éxito del disco es Killer Queen, un music-hall que los catapultó a la fama. Es muy bueno aunque Queen haría cosas mejores en el futuro. Un clásico, de todas formas. Buenas estrofas, buen estribillo, buen solo... Y no tengo más que decir, es una canción muy conocida.

Tenement Funster es la canción de Roger del disco. Y es la mejor hasta ahora de Roger. Mucho más suave que las otras dos sin llegar a ser suave. Esto hace que se note mejor construida, más que todos esos chillidos anteriores. La voz de Roger como solista nunca me va a gustar pero, bueno, esta canción, sin llegar a ser un clásico del álbum, está bien, agrega variedad y suma.

Flick Of The Wrist es una de mis favoritas, y eso que es una desconocida. Esos versos raros pero atrapantes, esa voz de Freddie que te coge y no te suelta, esa batería de Taylor antes de entrar al estribillo, el estribillo en sí... El solo, aunque a muchos no les guste, me gusta, aunque Brian era capaz de hacer cosas mejores, pero no es nada mala. Es una canción rarilla que Queen no repetiría, me suena, pero es sumamente atrayente y esto hace que sea mi favorita.

Lily Of The Valley es la primera balada del disco. Es tipo Nevermore, dura menos de dos minutos y es PRECIOSA. No estará entre las grandes baladas de Queen porque estas duran entre tres y cuatro minutos y esta no llega a dos, pero esa dulzura, esa voz, esos arreglos... Me encanta y sus menos de dos minutos son de los más disfrutables del disco.

Now I'm Here es de las más conocidas del disco. Se trata de un rocker de tipo convencional, ni oscuridad ni nada que lo haga destacar por su estilo, aunque es un buen tema. Muestra un gran riff de Brian, buenas melodías y arreglos y aun así no me termina de gustar como debería. Vamos, que me gusta, pero no la considero un clásico como otras. Aun así, creo que la marcaré de rojo.

In The Lap Of The Gods es la canción rara del disco. Abre con un extraño grito de Roger de los que me gustan, y esa grandilocuencia y esa locura, aunque la canción no está para nada construida y suene más como broma, me gusta. Muestra una distorsionada voz de Freddie que no es que me atraiga mucho, pero la parte buena es el estribillo del final. Lo que pasa es que este tipo de canciones se agotan con las sucesivas escuchas. Es una canción para escuchar de vez en cuando, no para estar todo el día escuchando.

Stone Cold Crazy es de los temas más duros de Queen en su historia y el más duro de este álbum, dicen que fue el que dio el pistoletazo de salida al "thrash metal", cuyo máximo exponente es Metallica. Tranquilos, little queenies, fue un experimento sin continuación. El tema proporciona adrenalina, un riff hiperrápido. Vamos que está bien pero que todos sabemos que el punto fuerte de Queen no es el metal.

Dear Friends es una lenta balada que hace de antídoto contra la fuerza de Stone Cold Crazy. Dura poco más de un minuto y sirve para eso, para eliminar esa adrenalina de la canción anterior, pero como nombre propio no tiene mucho que decir.

Llegamos al estreno de John Deacon como compositor. Misfire es una canción, que, sin ser un gran tema, es plenamente disfrutable. Todavía no empezaría con sus grandes temas como Spread Your Wings pero era un comienzo prometedor. Dura, también, menos de dos minutos.

Bring Back That Leroy Brown es un tema bastante cómico. Muy cómico, de hecho. Esta bien, es muy divertido, pero se agota con las sucesivas escuchas más rápido de lo que debería.

She Makes Me es cantado por Brian. La canción es muy solemne, tiene como una atmósfera, no sé, relajante, pero también solemne, es que no puedo describirlo, hay que escuchar la canción. A mí no me hace mucho, pero no está nada mal y suma al álbum. No será un clásico pero tiene sus puntos fuertes.

Por último, In The Lap Of The Gods... Revisited pertenece a la especie de canciones rehechas que no tienen nada que ver con la versión, supuestamente, original. Pero nada que ver. Bueno, sí, que repite las palabras que aparecen en el título. Pero es un tema completamente distinto. Señores, esto es una power-ballad. Y vaya power-ballad. Es de las canciones más poderosas del álbum, con una soberbia actuación de Freddie, un estribillo que es la hostia, al que se le van agregando voces como si fuera el público. Los arreglos son maravillosos. Supera con creces a la versión sin el revisited. Sinceramente, me cuesta imaginar un cierre mejor para el álbum. La canción termina con un trueno (una anécdota, no creo que haga mejor ni peor a la canción). No creo que tenga mucho que envidiarle a las grandes baladas de Queen.

Bueno, pues este es Sheer Heart Attack, un álbum variado, completamente diferente a sus antecesores a pesar del poco espacio temporal entre ellos, buen álbum, pero el no tener un estilo claro le perjudica en comparación con los anteriores, más atrayentes.

Queen II - Queen (1974)

Nota: 8-

Lista de canciones:

1) Procession
2) Father To Son
3) White Queen (As It Began)
4) Some Day One Day
5) The Loser In The End
6) Ogre Battle
7) The Fairy Feller's Master-Stroke
8) Nevermore
9) The March Of The Black Queen
10) Funny How Love Is
11) Seven Seas Of Rhye

Mejor canción: WHITE QUEEN (AS IT BEGAN)

Vamos a analizar el segundo álbum de Queen. Ya analicé hace unos días el primero, y vimos que se trataba de un álbum rockero, sin duda el más duro de todos los de Queen. Menos ornamentación que lo acostumbrado, menos piano, menos baladas: más rock, más dureza, más crudeza, y, en general, un álbum más básico y menos rimbombante. La verdad es que con este álbum se pasan al polo opuesto: este álbum es de los más pretenciosos de todo Queen, al mismo nivel que su magnum opus, A Night At The Opera. Pero al contrario que aquel, este prescinde de todo elemento operístico. Se podría dar la paradoja de que son parecidos pero contrarios en cierto punto. Es decir, se parecen en lo pretencioso y lo ampuloso, pero son contrarios en otros puntos. Me refiero a la sensación de "comedia". Su obra maestra está impregnada de una sensación de comedia, de "diviértanse", de "estamos de coña", de "no vamos en serio". En efecto, se trata de una música que no trata de mostrarse seria, no busca desentrañar los sentimientos más profundos del ser humano, no busca hacer que reflexiones sobre tal tema, etc. El arte por el arte: dicho cutremente, buscan hacer música bonita y que entretenga (sin que esto sea malo, ojo). En cambio, aun sin que este álbum sea una muestra de reflexiones neokantianas, la sensación es de que todo lo ampuloso del álbum va completamente en serio. No hay ópera, no hay canciones tipo comedia, parece que Queen pretende invadir la mente del oyente con todos esos elementos que hacen de este álbum una experiencia única en Queen, como su predecesor, distinta que su predecesor pero igual de única. Lo de única es por lo distinto de lo que la gente conoce como Queen. Aquí Queen seguía siendo desconocido, aunque la canción que cierra el álbum alcanzaría ciertas cotas moderadas de éxito.

Estilísticamente, creo que quedó bastante detallado en el párrafo anterior. Pero podemos profundizar más. En el álbum anterior, había mucha guitarra y poco piano. Aquí pasa lo contrario. El piano toma un papel principal y la guitarra queda un poco relegada. Aunque hay temas en los que la guitarra asume un papel principal. El álbum se divide en dos partes: en lugar de ser los típicos lados 1 y 2, son el "lado blanco" y el "lado negro". El lado blanco lo componen las cuatro primeras canciones, compuestas por Brian, y el tema 5, de Roger. El lado negro está formado por las seis últimas canciones, de Freddie todas ellas. Se trata de una mera cuestión de firma, pues no parece haber diferencias aparentes entre ambas. Ambas tienen su dosis de oscuridad, de baladas, de rockers, etc. No hay que prestarle mucha atención. John Deacon no se estrenaría hasta el álbum siguiente.

Mención aparte a la portada. Tiene cierto aire místico, los cuatro miembros de Queen yacen como muertos, con Freddie con las manos como si se tratara de un sarcófago. Pero no solo eso, si no que esa distribución se haría universal con el videoclip de Bohemian Rhapsody.

El lado blanco comienza con un corto tema, Procession, que solo hace de introducción hacia el primer tema real del álbum, Father To Son. Aunque puede que se trate de una pequeña joya. Solo con el minuto que dura ya nos va haciendo entrar en el bucle de oscuridad que es el álbum. Father To Son, en cambio, no es tan oscura. Se trata del primer gran rocker del álbum, y a mí me gusta bastante. Me gusta más el otro gran rocker del álbum, que luego diré cuál es. Pero eso no desmerece a este, aunque todavía parece un poco "roto", hay partes en las que te puedes desconcertar un poco, no está tan cohesionado. Pero a mí me sigue gustando, buena vocalización de Freddie, buenos versos, buen estribillo, la parte del medio, opino, está bien, y el final, aunque un poco ampuloso de más, me gusta. El final conduce a una de las más bellas canciones que he escuchado jamás: White Queen (As It Began).

Esta se trata de una de las mejores baladas de todo Queen, y eso que es una gran desconocida. Cuando se habla de las baladas de Queen todo el mundo conoce, yo que sé, Save Me, Who Wants To Live Forever, It's A Hard Life, Love Of My Life... No quiero desmerecerlas, a mí esas también me gustan, no sé si más o menos que White Queen, pero me parece injusto porque las otras tienen el estatus que se merecen (en el caso de Who Wants To Live Forever, más que eso) y esta no. Empieza lentísima, pero no llega a aburrir en ningún momento. Cuando llega al estribillo, se desata toda la belleza de la canción. No creo que se trate de una power-ballad. No tiene tanto ritmo como para eso. Pero sin duda, el clímax del tema está en la parte de guitarra. Una de las más magníficas orquestaciones de Brian May. Y la vocalización posterior de Freddie. Piel de gallina.

El siguiente tema es el único cantado por Brian, Some Day One Day. Como muchos, con su voz agradable y relajante, se trata, efectivamente, de eso, un tema agradable, relajante, pero menor. No está a la altura de los grandes temas del álbum ni de los grandes temas cantados por May, como '39 o Long Away. Aun sin ser un temazo, suma más que resta.

No pasa lo mismo con el tema siguiente, compuesto y cantado por Roger. The Loser In The End muestra toda más dureza que cualquier tema del álbum pero de nada sirve la dureza sin control. Esto pasa en este tema. La voz de Roger tampoco ayuda mucho, pero más que eso es el tema en sí. Habrá cosas más horribles en el futuro pero esto tampoco se salva.

Y entramos en pleno lado negro con Ogre Battle. Este era el rocker del que os hablaba. Comienza con un coro que puede resultar irritante, pero esto deriva en un riff de puta madre que nos introduce a una increíble canción, un rocker de primera, con una gran actualización de Freddie (otra más). A esto me refiero, se puede combinar el rock duro con buenas melodías y buenos ganchos. Desde luego, el tema es más redondo que Father To Son. La parte del medio, más rockera, también es mejor. Finaliza con el mismo riff que el inicial y termina con un golpe de gong.

Pasamos ahora a The Fairy Feller's Master-Stroke. Lo contrario a Ogre Battle. Muy poco rockero, pero muy bueno igualmente. Algunos dicen que es un tema claramente gay de Freddie. Las vocales, otra vez, sublimes. El tema, con todas sus rarezas, me parece de lo mejor del álbum. Repleto de ganchos, además.

Continuamos con Nevermore, cuya única función es conectar The Fairy Feller's Master-Stroke con The March Of The Black Queen. Aun así, guarda una bonita balada, sumamente melódica y agradable. Tampoco parece dar mucho más, pero el minuto que dura es de lo más relajante del álbum.

La canción siguiente es, quizás, el tema principal del álbum: The March Of The Black Queen. Ojo, porque con este tema, Queen se marca el camino para su mejor canción, Bohemian Rhapsody. Como esta, se trata de una suite multiparte. Comienza con una introducción oscura con piano, para seguir con unos magníficos coros que llevan a una de las partes principales del tema. Esta es una parte bastante pop, con buenas melodías y ganchos. Las vocales, excelentes, otra vez. Unos ampulosos coros conducen a la parte más lenta de la canción, muy hermosa. Más coros conducen a la parte rockera de la canción, que también me gusta aunque al final todo se vuelve demasiado loco. Para finalizar, tenemos una outtro bastante rara, pero que está bien. Lo que le pasa a esta canción es que, al ser su primer intento, no parece muy conectada. Es imperfecta. Buena pero con imperfecciones. Por eso palidece frente a la perfecta Bohemian Rhapsody.

Seguimos con el tema menos oscuro y más pop de todos. Funny How Love Is. Pues me gusta. Me parece un pop, que, evidentemente, no tiene nada que hacer contra las grandes canciones del álbum, pero me parece sumamente agradable, y me permito disfrutarla como cualquiera. No es su estilo pero bueno, como ya he dicho de otra canción del álbum, claramente, suma más que resta, aunque se pueda decir que rompa la oscuridad del álbum.

El tema siguiente tampoco es oscuro. Se trata de su éxito de este álbum. Su primer éxito. Curioso porque no es de las mejores canciones del álbum. Aunque no cabe duda de que es un hito, joder, fue su primer éxito. Pero no me gusta en exceso. Bueno, lo primero a decir es que se trata de una reedición del tema del mismo nombre del álbum anterior. En este caso, no es instrumental, es muy superior a su predecesor y tiene vocales. Es bastante movidito sin llegar a duro. Pero al final se puede volver cansino, con esos coros. Pero bueno, tampoco es mala.

La versión extendida trae una versión en directo en la BBC de Nevermore que, curiosamente, me parece superior a la del álbum. También una versión instrumental de Seven Seas Of Rhye, una gran versión en vivo de White Queen, en su famoso concierto en Hammersmith Odeon, la cual muestra un gran solo de Brian. Además, agrega dos versiones de una canción que decidieron sacar del disco, como Mad The Swine en el álbum anterior, la cual no me hace demasiado.

En conclusión, podemos decir que, por segunda vez, estamos ante a un álbum de Queen bastante desconocido pero del que no se puede decir muchas cosas malas. Tendrá defectos como casi todos los álbumes, pero cumple con las expectativas.

Queen - Queen (1973)

Nota: 8-

Lista de canciones:

1) Keep Yourself Alive
2) Doing Alright
3) Great King Rat
4) My Fairy King
5) Liar
6) The Night Comes Down
7) Modern Times Rock 'N Roll
8) Son And Daughter
9) Jesus
10) Seven Seas Of Rhye

Mejor canción: LIAR

1973. Cosas fantásticas están por llegar. Un desconocido grupo de rock, Queen, saca su primer álbum, que casualmente se llama como el grupo. No tiene mucho éxito: el sencillo principal, Keep Yourself Alive, tampoco arrasa, precisamente. Se trata de un álbum de rock duro, pero no es el rock duro de siempre, es un rock duro mucho más cuidado, más pulido, con ciertas cosas que dejan intuir que estos cuatro jóvenes desconocidos llamados Freddie Mercury, Brian May, John Deacon y Roger Taylor tienen cosas que introducir en el rock duro, cosas que aportar, incluso este álbum deja entrever embriones de lo que luego sería la marca registrada del gran Queen.

¿Qué sensaciones puede provocar este álbum?

Veamos, depende de quién lo escuche. Por ejemplo, creo que una persona que venga del rock duro clásico de Black Sabbath y Deep Purple puede disfrutar del disco. Verá que este tipo de rock duro tiene matices de cierto cuidado en lugar de la brutalidad de Black Sabbath. E incluso puede que vea que aquí, la cantidad de baladas aumenta en proporción con respecto al típico disco de rock duro de siempre. Aquí hay tres baladas. Tres de diez canciones, y además una de las canciones es un tema de un minuto, instrumental, que hace de cierre del disco. Mucha proporción, ¿no? Es decir, un fan del rock duro puede disfrutar del disco si va convencido de que esto no es rock duro del puro, ni metal, si no un rock duro cuidado y, por decirlo de alguna manera, algo más tranquilo.

Si lo escucha un fan del Queen de toda la vida, depende, otra vez. ¿Qué Queen es el que te gusta? ¿Qué te mola más, Tie Your Mother Down o Radio Ga Ga? Pues en estas preguntas está la cuestión. Otra pregunta es: ¿Qué etapa disfrutas más, la que va hasta 1980 o la de los 80? Si el Queen que te gusta es el de The Game, Hot Space, The Works y A Kind Of Magic no creo que te guste mucho este disco. Esos álbumes, quitando algunas cosas de The Game, empiezan a traer el sonido pop a Queen, y créeme, este disco que estoy analizando tiene muy poco que ver con eso. Son grupos distintos. No esperes Radio Ga Ga ni I Want To Break Free ni Friends Will Be Friends. Lo que encontrarás en este álbum es rock, no pop. Si, por el contrario, disfrutas más del Queen clásico, el de los 70, y disfrutas de rockers como Tie Your Mother Down, It's Late, Fat Bottomed Girls, Death On Two Legs... Te gustará este disco. De todas formas, incluso si eres fan del Queen clásico, este álbum te será distinto a cualquier otro: no encontrarás otra cosa igual en todo el catálogo de Queen. En el álbum siguiente ya empezarían con una temática más oscura y bombástica, con menos rock puro, posteriormente acabarían en la ópera, y así se convertirían en una banda que quedó para la historia. Pero el rock puro de aquí no se repetiría nunca. En fin, vamos con las canciones ya.

El álbum comienza con la canción más famosa del disco (lo cual no es decir mucho dada la poca fama del disco en general). Keep Yourself Alive comienza como un buen rocker, que transmite una sensación de alegría. Comienza con una guitarra que no suena como las demás. Señores, estamos ante una guitarra que marcaría la diferencia: la Red Special de Brian May. Los versos son magníficos, perfectos. La voz de Mercury y la gran melodía de estos... El estribillo también está bien. La canción trae un solo de batería de Roger, y una gran orquestación de guitarra de Mr. May, marca registrada de Queen.

Seguimos con Doing Alright, compuesta entre Brian May y Tim Staffel, el antiguo cantante de la banda de la cual formaban parte Brian May y Roger Taylor, llamada Smile. Se trata de una balada. Es la típica balada dulce, muy tranquila y pastoral. Sí, hasta que deja de serlo. Hasta que la guitarra de Brian May decide que debe dejar de serlo. Porque hay un momento en el que la balada, gracias a un violento riff de Brian, se transforma en un buen rock duro. Luego vuelve a la balada para finalizar, luego otra vez rock duro y finaliza como balada.

Después viene una de las mejores canciones del disco, Great King Rat. Un gran tema de rock. Comienza con buenos toques eléctricos y versos de tono árabe. El estribillo tiene un paralelismo por la típica canción de niños de Inglaterra, Old King Cole, parodiada por Genesis en su Nursery Cryme. La canción tiene un buen solo de guitarra, y luego pasa a lugares más tranquilos, que a mí me gustan. Pero no acaba esto aquí: vuelve al rock, y con un solo todavía mejor que el primero. Finaliza con un sonido de guitarra que no sé, pero me recuerda al sonido de un helicóptero.

My Fairy King, una extraña balada que comienza con un gran grito de Roger Taylor. Sigue con voz femenina de Freddie, acompañada de un dulce piano. Se trata de una balada fantástica, por así decirlo. Nada terrenal. No es excelente pero ese desorden, no sé, tiene encanto. Es obvio que objetivamente Queen hizo cosas mejores, pero esto me gusta y me permito escucharlo de vez en cuando. Y ojo al solo de Freddie con el piano al final.

Liar es, para mí, la mejor canción del disco. Mejor incluso que Great King Rat. Al contrario que esta, empieza lentamente, con un buen ritmo de batería y aplausos, para acabar en un gran rocker que varía por una serie de partes, todas ellas increíbles. Esto a lo que me refiero con un rock más "cuidado". Contiene riffs a mansalva, sobre todo uno después de un tartamudeo de Freddie que es de los mejores de la carrera de Brian, un buen solo, buenas vocales... Bah, es bueno todo. Vale los seis minutos que dura. Puede que estemos en la antesala, o en una de ellas, de Bohemian Rhapsody.

The Night Comes Down es la tercera balada, y última, del disco. Es la más tranquila de todas. Tiene cierto tono árabe al principio. Para mí es agradable. Transmite su tranquilidad y Freddie vuelve a dar una lección de cómo se canta. Queen haría mejores baladas en su carrera pero esta está bien igual. La balada es buena pero podría haber sido mejor, no sé, algo le falta. Y el estribillo es muy bueno.

Modern Times Rock 'N Roll es la canción más bestia del disco, cortesía de Roger Taylor. No está mal, la voz de Roger como solista nunca me ha gustado pero en esta no suena tan mal. Y el riff es brutal.

Son And Daughter es la otra canción bestia del disco, esta vez cantada por Freddie. Es una canción de blues rock muy, muy pesado. Con un riff bestial, también. A mí nunca me ha terminado de gustar, es decir, me gusta, pero no me encanta como otras canciones. Aunque hay muchos fans que la aman. Pero bueno, qué le voy a hacer. El final del tema, en cambio, sí me mola bastante.

Y llegamos a un tema que a mí me gusta mucho. Jesus. Un tema, que sí, va sobre Jesús, Jesucristo. La voz de Freddie está bien, los versos están bien y el estribillo tiene un quiebre raro pero es extremadamente atractivo, con esos coros. Eso es en la primera parte del tema. Después se transfoma en un rock duro donde aparecen algunos de los momentos más duros del disco, en forma de Brian May, por supuesto. Está bien pero tampoco es que sea memorable, pero bueno, me gustan. Para terminar, vuelve a la melodía principal, para cerrar con el estribillo.

Por último, tenemos una canción instrumental para cerrar el disco. Seven Seas Of Rhye, que sería mejorada en el álbum siguiente, no molesta pero tampoco es que aporte nada al disco.

La versión extendida, que es la que tengo yo, contiene, aparte de cinco demos que Queen grabó para promocionarse cuando eran completos desconocidos, una muy buena balada, Mad The Swine. Se trata de una balada agradable y atractiva, puede ser la mejor del disco si la contamos como que pertenece a él. La voz de Mercury, otra vez, se acaban los elogios para eso, si bien la letra mejor no mirarla.

En conclusión, el álbum debut de Queen se trata de algo completamente distinto al Queen de siempre. Mucho más rockero, mucho más duro, menos ópera, menos pop, menos elaborado (aunque más que muchos grupos que jamás se podrían permitir un álbum como este). No quedará para la historia como uno de los mejores álbumes de Queen pero se puede decir que aporta matices distintos a su obra. Y es un buen álbum, no tan bueno como los que le seguirían pero bueno, igualmente.