Sheer Heart Attack - Queen (1974)

Nota: 7+

Lista de canciones:

1) Brighton Rock
2) Killer Queen
3) Tenement Funster
4) Flick Of The Wrist
5) Lily Of The Valley
6) Now I'm Here
7) In The Lap Of The Gods
8) Stone Cold Crazy
9) Dear Friends
10) Misfire
11) Bring Back That Leroy Brown
12) She Makes Me (Stormtrooper In Stilettos)
13) In The Lap Of The Gods... Revisited

Mejor canción: IN THE LAP OF THE GODS... REVISITED

Este álbum es del mismo año que su predecesor y resulta que es completamente diferente. Queen II era oscuro, grandilocuente, y poco comercial. Esto es algo, por así decirlo, más convencional. La oscuridad desaparece, prácticamente, por completo, para dar paso a algo mucho más comercial y convencional. Aquí no encontramos temas tan duros como Ogre Battle o Father To Son (a excepción de Stone Cold Crazy). Hay rockers, sí, pero son más tranquilos. No encontraremos canciones con la atmósfera de las que traía su predecesor, aquí las canciones, como ya he repetido anteriormente, son tirando a normales. Añado que, si su primer pequeño éxito lo traía Queen II, su primer gran éxito, Killer Queen, está aquí. Con este disco, ya estaban casi en la cima. Cima que conquistarían el año siguiente, con A Night At The Opera, convirtiéndose en la banda más importante del mundo.

Vamos a ver, este álbum está bien. No es malo. Me cuesta decir una canción que se pueda calificar de "horrenda", porque creo que no las hay. Pero, aun así, creo que es inferior a sus antecesores. Quizá sea por ese "estar en medio de todo". Queen era muy rockero y Queen II destacaba por su oscuridad. Pero este, ¿por qué destaca? ¿En qué aspecto sobresale? Precisamente, si hay que destacar algo, no sería algo en concreto, sino precisamente eso, su eclecticismo, su variación. Pero destacar eso siempre es menos, no sé, menos atrayente, normalmente atraen más los álbumes centrados en una idea concreta que los que son un puñado de canciones variadas juntas. Bueno, vamos con las canciones.

El disco abre a todo trapo con Brighton Rock, uno de los clásicos de Queen en los conciertos, donde adquiría enormes longitudes para lucimiento de Brian May, protagonista absoluto del tema. Y es que este tema tiene un enorme solo en medio. No será el mejor solo de Queen, para nada, sino que es algo donde el genio de Brian puede lucirse y dejar constancia de todo lo que sabe hacer con la guitarra. Me gustan más los solos normales pero no está mal si tenemos en cuenta para qué está pensado. Por otro lado, la parte cantada es buena. Sobre todo el estribillo del principio, estos tíos eran capaces de hacer cosas pegadizas en cualquier momento. Y esos cambios de agudo a grave de Freddie... uf.

El gran éxito del disco es Killer Queen, un music-hall que los catapultó a la fama. Es muy bueno aunque Queen haría cosas mejores en el futuro. Un clásico, de todas formas. Buenas estrofas, buen estribillo, buen solo... Y no tengo más que decir, es una canción muy conocida.

Tenement Funster es la canción de Roger del disco. Y es la mejor hasta ahora de Roger. Mucho más suave que las otras dos sin llegar a ser suave. Esto hace que se note mejor construida, más que todos esos chillidos anteriores. La voz de Roger como solista nunca me va a gustar pero, bueno, esta canción, sin llegar a ser un clásico del álbum, está bien, agrega variedad y suma.

Flick Of The Wrist es una de mis favoritas, y eso que es una desconocida. Esos versos raros pero atrapantes, esa voz de Freddie que te coge y no te suelta, esa batería de Taylor antes de entrar al estribillo, el estribillo en sí... El solo, aunque a muchos no les guste, me gusta, aunque Brian era capaz de hacer cosas mejores, pero no es nada mala. Es una canción rarilla que Queen no repetiría, me suena, pero es sumamente atrayente y esto hace que sea mi favorita.

Lily Of The Valley es la primera balada del disco. Es tipo Nevermore, dura menos de dos minutos y es PRECIOSA. No estará entre las grandes baladas de Queen porque estas duran entre tres y cuatro minutos y esta no llega a dos, pero esa dulzura, esa voz, esos arreglos... Me encanta y sus menos de dos minutos son de los más disfrutables del disco.

Now I'm Here es de las más conocidas del disco. Se trata de un rocker de tipo convencional, ni oscuridad ni nada que lo haga destacar por su estilo, aunque es un buen tema. Muestra un gran riff de Brian, buenas melodías y arreglos y aun así no me termina de gustar como debería. Vamos, que me gusta, pero no la considero un clásico como otras. Aun así, creo que la marcaré de rojo.

In The Lap Of The Gods es la canción rara del disco. Abre con un extraño grito de Roger de los que me gustan, y esa grandilocuencia y esa locura, aunque la canción no está para nada construida y suene más como broma, me gusta. Muestra una distorsionada voz de Freddie que no es que me atraiga mucho, pero la parte buena es el estribillo del final. Lo que pasa es que este tipo de canciones se agotan con las sucesivas escuchas. Es una canción para escuchar de vez en cuando, no para estar todo el día escuchando.

Stone Cold Crazy es de los temas más duros de Queen en su historia y el más duro de este álbum, dicen que fue el que dio el pistoletazo de salida al "thrash metal", cuyo máximo exponente es Metallica. Tranquilos, little queenies, fue un experimento sin continuación. El tema proporciona adrenalina, un riff hiperrápido. Vamos que está bien pero que todos sabemos que el punto fuerte de Queen no es el metal.

Dear Friends es una lenta balada que hace de antídoto contra la fuerza de Stone Cold Crazy. Dura poco más de un minuto y sirve para eso, para eliminar esa adrenalina de la canción anterior, pero como nombre propio no tiene mucho que decir.

Llegamos al estreno de John Deacon como compositor. Misfire es una canción, que, sin ser un gran tema, es plenamente disfrutable. Todavía no empezaría con sus grandes temas como Spread Your Wings pero era un comienzo prometedor. Dura, también, menos de dos minutos.

Bring Back That Leroy Brown es un tema bastante cómico. Muy cómico, de hecho. Esta bien, es muy divertido, pero se agota con las sucesivas escuchas más rápido de lo que debería.

She Makes Me es cantado por Brian. La canción es muy solemne, tiene como una atmósfera, no sé, relajante, pero también solemne, es que no puedo describirlo, hay que escuchar la canción. A mí no me hace mucho, pero no está nada mal y suma al álbum. No será un clásico pero tiene sus puntos fuertes.

Por último, In The Lap Of The Gods... Revisited pertenece a la especie de canciones rehechas que no tienen nada que ver con la versión, supuestamente, original. Pero nada que ver. Bueno, sí, que repite las palabras que aparecen en el título. Pero es un tema completamente distinto. Señores, esto es una power-ballad. Y vaya power-ballad. Es de las canciones más poderosas del álbum, con una soberbia actuación de Freddie, un estribillo que es la hostia, al que se le van agregando voces como si fuera el público. Los arreglos son maravillosos. Supera con creces a la versión sin el revisited. Sinceramente, me cuesta imaginar un cierre mejor para el álbum. La canción termina con un trueno (una anécdota, no creo que haga mejor ni peor a la canción). No creo que tenga mucho que envidiarle a las grandes baladas de Queen.

Bueno, pues este es Sheer Heart Attack, un álbum variado, completamente diferente a sus antecesores a pesar del poco espacio temporal entre ellos, buen álbum, pero el no tener un estilo claro le perjudica en comparación con los anteriores, más atrayentes.

Queen II - Queen (1974)

Nota: 8-

Lista de canciones:

1) Procession
2) Father To Son
3) White Queen (As It Began)
4) Some Day One Day
5) The Loser In The End
6) Ogre Battle
7) The Fairy Feller's Master-Stroke
8) Nevermore
9) The March Of The Black Queen
10) Funny How Love Is
11) Seven Seas Of Rhye

Mejor canción: WHITE QUEEN (AS IT BEGAN)

Vamos a analizar el segundo álbum de Queen. Ya analicé hace unos días el primero, y vimos que se trataba de un álbum rockero, sin duda el más duro de todos los de Queen. Menos ornamentación que lo acostumbrado, menos piano, menos baladas: más rock, más dureza, más crudeza, y, en general, un álbum más básico y menos rimbombante. La verdad es que con este álbum se pasan al polo opuesto: este álbum es de los más pretenciosos de todo Queen, al mismo nivel que su magnum opus, A Night At The Opera. Pero al contrario que aquel, este prescinde de todo elemento operístico. Se podría dar la paradoja de que son parecidos pero contrarios en cierto punto. Es decir, se parecen en lo pretencioso y lo ampuloso, pero son contrarios en otros puntos. Me refiero a la sensación de "comedia". Su obra maestra está impregnada de una sensación de comedia, de "diviértanse", de "estamos de coña", de "no vamos en serio". En efecto, se trata de una música que no trata de mostrarse seria, no busca desentrañar los sentimientos más profundos del ser humano, no busca hacer que reflexiones sobre tal tema, etc. El arte por el arte: dicho cutremente, buscan hacer música bonita y que entretenga (sin que esto sea malo, ojo). En cambio, aun sin que este álbum sea una muestra de reflexiones neokantianas, la sensación es de que todo lo ampuloso del álbum va completamente en serio. No hay ópera, no hay canciones tipo comedia, parece que Queen pretende invadir la mente del oyente con todos esos elementos que hacen de este álbum una experiencia única en Queen, como su predecesor, distinta que su predecesor pero igual de única. Lo de única es por lo distinto de lo que la gente conoce como Queen. Aquí Queen seguía siendo desconocido, aunque la canción que cierra el álbum alcanzaría ciertas cotas moderadas de éxito.

Estilísticamente, creo que quedó bastante detallado en el párrafo anterior. Pero podemos profundizar más. En el álbum anterior, había mucha guitarra y poco piano. Aquí pasa lo contrario. El piano toma un papel principal y la guitarra queda un poco relegada. Aunque hay temas en los que la guitarra asume un papel principal. El álbum se divide en dos partes: en lugar de ser los típicos lados 1 y 2, son el "lado blanco" y el "lado negro". El lado blanco lo componen las cuatro primeras canciones, compuestas por Brian, y el tema 5, de Roger. El lado negro está formado por las seis últimas canciones, de Freddie todas ellas. Se trata de una mera cuestión de firma, pues no parece haber diferencias aparentes entre ambas. Ambas tienen su dosis de oscuridad, de baladas, de rockers, etc. No hay que prestarle mucha atención. John Deacon no se estrenaría hasta el álbum siguiente.

Mención aparte a la portada. Tiene cierto aire místico, los cuatro miembros de Queen yacen como muertos, con Freddie con las manos como si se tratara de un sarcófago. Pero no solo eso, si no que esa distribución se haría universal con el videoclip de Bohemian Rhapsody.

El lado blanco comienza con un corto tema, Procession, que solo hace de introducción hacia el primer tema real del álbum, Father To Son. Aunque puede que se trate de una pequeña joya. Solo con el minuto que dura ya nos va haciendo entrar en el bucle de oscuridad que es el álbum. Father To Son, en cambio, no es tan oscura. Se trata del primer gran rocker del álbum, y a mí me gusta bastante. Me gusta más el otro gran rocker del álbum, que luego diré cuál es. Pero eso no desmerece a este, aunque todavía parece un poco "roto", hay partes en las que te puedes desconcertar un poco, no está tan cohesionado. Pero a mí me sigue gustando, buena vocalización de Freddie, buenos versos, buen estribillo, la parte del medio, opino, está bien, y el final, aunque un poco ampuloso de más, me gusta. El final conduce a una de las más bellas canciones que he escuchado jamás: White Queen (As It Began).

Esta se trata de una de las mejores baladas de todo Queen, y eso que es una gran desconocida. Cuando se habla de las baladas de Queen todo el mundo conoce, yo que sé, Save Me, Who Wants To Live Forever, It's A Hard Life, Love Of My Life... No quiero desmerecerlas, a mí esas también me gustan, no sé si más o menos que White Queen, pero me parece injusto porque las otras tienen el estatus que se merecen (en el caso de Who Wants To Live Forever, más que eso) y esta no. Empieza lentísima, pero no llega a aburrir en ningún momento. Cuando llega al estribillo, se desata toda la belleza de la canción. No creo que se trate de una power-ballad. No tiene tanto ritmo como para eso. Pero sin duda, el clímax del tema está en la parte de guitarra. Una de las más magníficas orquestaciones de Brian May. Y la vocalización posterior de Freddie. Piel de gallina.

El siguiente tema es el único cantado por Brian, Some Day One Day. Como muchos, con su voz agradable y relajante, se trata, efectivamente, de eso, un tema agradable, relajante, pero menor. No está a la altura de los grandes temas del álbum ni de los grandes temas cantados por May, como '39 o Long Away. Aun sin ser un temazo, suma más que resta.

No pasa lo mismo con el tema siguiente, compuesto y cantado por Roger. The Loser In The End muestra toda más dureza que cualquier tema del álbum pero de nada sirve la dureza sin control. Esto pasa en este tema. La voz de Roger tampoco ayuda mucho, pero más que eso es el tema en sí. Habrá cosas más horribles en el futuro pero esto tampoco se salva.

Y entramos en pleno lado negro con Ogre Battle. Este era el rocker del que os hablaba. Comienza con un coro que puede resultar irritante, pero esto deriva en un riff de puta madre que nos introduce a una increíble canción, un rocker de primera, con una gran actualización de Freddie (otra más). A esto me refiero, se puede combinar el rock duro con buenas melodías y buenos ganchos. Desde luego, el tema es más redondo que Father To Son. La parte del medio, más rockera, también es mejor. Finaliza con el mismo riff que el inicial y termina con un golpe de gong.

Pasamos ahora a The Fairy Feller's Master-Stroke. Lo contrario a Ogre Battle. Muy poco rockero, pero muy bueno igualmente. Algunos dicen que es un tema claramente gay de Freddie. Las vocales, otra vez, sublimes. El tema, con todas sus rarezas, me parece de lo mejor del álbum. Repleto de ganchos, además.

Continuamos con Nevermore, cuya única función es conectar The Fairy Feller's Master-Stroke con The March Of The Black Queen. Aun así, guarda una bonita balada, sumamente melódica y agradable. Tampoco parece dar mucho más, pero el minuto que dura es de lo más relajante del álbum.

La canción siguiente es, quizás, el tema principal del álbum: The March Of The Black Queen. Ojo, porque con este tema, Queen se marca el camino para su mejor canción, Bohemian Rhapsody. Como esta, se trata de una suite multiparte. Comienza con una introducción oscura con piano, para seguir con unos magníficos coros que llevan a una de las partes principales del tema. Esta es una parte bastante pop, con buenas melodías y ganchos. Las vocales, excelentes, otra vez. Unos ampulosos coros conducen a la parte más lenta de la canción, muy hermosa. Más coros conducen a la parte rockera de la canción, que también me gusta aunque al final todo se vuelve demasiado loco. Para finalizar, tenemos una outtro bastante rara, pero que está bien. Lo que le pasa a esta canción es que, al ser su primer intento, no parece muy conectada. Es imperfecta. Buena pero con imperfecciones. Por eso palidece frente a la perfecta Bohemian Rhapsody.

Seguimos con el tema menos oscuro y más pop de todos. Funny How Love Is. Pues me gusta. Me parece un pop, que, evidentemente, no tiene nada que hacer contra las grandes canciones del álbum, pero me parece sumamente agradable, y me permito disfrutarla como cualquiera. No es su estilo pero bueno, como ya he dicho de otra canción del álbum, claramente, suma más que resta, aunque se pueda decir que rompa la oscuridad del álbum.

El tema siguiente tampoco es oscuro. Se trata de su éxito de este álbum. Su primer éxito. Curioso porque no es de las mejores canciones del álbum. Aunque no cabe duda de que es un hito, joder, fue su primer éxito. Pero no me gusta en exceso. Bueno, lo primero a decir es que se trata de una reedición del tema del mismo nombre del álbum anterior. En este caso, no es instrumental, es muy superior a su predecesor y tiene vocales. Es bastante movidito sin llegar a duro. Pero al final se puede volver cansino, con esos coros. Pero bueno, tampoco es mala.

La versión extendida trae una versión en directo en la BBC de Nevermore que, curiosamente, me parece superior a la del álbum. También una versión instrumental de Seven Seas Of Rhye, una gran versión en vivo de White Queen, en su famoso concierto en Hammersmith Odeon, la cual muestra un gran solo de Brian. Además, agrega dos versiones de una canción que decidieron sacar del disco, como Mad The Swine en el álbum anterior, la cual no me hace demasiado.

En conclusión, podemos decir que, por segunda vez, estamos ante a un álbum de Queen bastante desconocido pero del que no se puede decir muchas cosas malas. Tendrá defectos como casi todos los álbumes, pero cumple con las expectativas.

Queen - Queen (1973)

Nota: 8-

Lista de canciones:

1) Keep Yourself Alive
2) Doing Alright
3) Great King Rat
4) My Fairy King
5) Liar
6) The Night Comes Down
7) Modern Times Rock 'N Roll
8) Son And Daughter
9) Jesus
10) Seven Seas Of Rhye

Mejor canción: LIAR

1973. Cosas fantásticas están por llegar. Un desconocido grupo de rock, Queen, saca su primer álbum, que casualmente se llama como el grupo. No tiene mucho éxito: el sencillo principal, Keep Yourself Alive, tampoco arrasa, precisamente. Se trata de un álbum de rock duro, pero no es el rock duro de siempre, es un rock duro mucho más cuidado, más pulido, con ciertas cosas que dejan intuir que estos cuatro jóvenes desconocidos llamados Freddie Mercury, Brian May, John Deacon y Roger Taylor tienen cosas que introducir en el rock duro, cosas que aportar, incluso este álbum deja entrever embriones de lo que luego sería la marca registrada del gran Queen.

¿Qué sensaciones puede provocar este álbum?

Veamos, depende de quién lo escuche. Por ejemplo, creo que una persona que venga del rock duro clásico de Black Sabbath y Deep Purple puede disfrutar del disco. Verá que este tipo de rock duro tiene matices de cierto cuidado en lugar de la brutalidad de Black Sabbath. E incluso puede que vea que aquí, la cantidad de baladas aumenta en proporción con respecto al típico disco de rock duro de siempre. Aquí hay tres baladas. Tres de diez canciones, y además una de las canciones es un tema de un minuto, instrumental, que hace de cierre del disco. Mucha proporción, ¿no? Es decir, un fan del rock duro puede disfrutar del disco si va convencido de que esto no es rock duro del puro, ni metal, si no un rock duro cuidado y, por decirlo de alguna manera, algo más tranquilo.

Si lo escucha un fan del Queen de toda la vida, depende, otra vez. ¿Qué Queen es el que te gusta? ¿Qué te mola más, Tie Your Mother Down o Radio Ga Ga? Pues en estas preguntas está la cuestión. Otra pregunta es: ¿Qué etapa disfrutas más, la que va hasta 1980 o la de los 80? Si el Queen que te gusta es el de The Game, Hot Space, The Works y A Kind Of Magic no creo que te guste mucho este disco. Esos álbumes, quitando algunas cosas de The Game, empiezan a traer el sonido pop a Queen, y créeme, este disco que estoy analizando tiene muy poco que ver con eso. Son grupos distintos. No esperes Radio Ga Ga ni I Want To Break Free ni Friends Will Be Friends. Lo que encontrarás en este álbum es rock, no pop. Si, por el contrario, disfrutas más del Queen clásico, el de los 70, y disfrutas de rockers como Tie Your Mother Down, It's Late, Fat Bottomed Girls, Death On Two Legs... Te gustará este disco. De todas formas, incluso si eres fan del Queen clásico, este álbum te será distinto a cualquier otro: no encontrarás otra cosa igual en todo el catálogo de Queen. En el álbum siguiente ya empezarían con una temática más oscura y bombástica, con menos rock puro, posteriormente acabarían en la ópera, y así se convertirían en una banda que quedó para la historia. Pero el rock puro de aquí no se repetiría nunca. En fin, vamos con las canciones ya.

El álbum comienza con la canción más famosa del disco (lo cual no es decir mucho dada la poca fama del disco en general). Keep Yourself Alive comienza como un buen rocker, que transmite una sensación de alegría. Comienza con una guitarra que no suena como las demás. Señores, estamos ante una guitarra que marcaría la diferencia: la Red Special de Brian May. Los versos son magníficos, perfectos. La voz de Mercury y la gran melodía de estos... El estribillo también está bien. La canción trae un solo de batería de Roger, y una gran orquestación de guitarra de Mr. May, marca registrada de Queen.

Seguimos con Doing Alright, compuesta entre Brian May y Tim Staffel, el antiguo cantante de la banda de la cual formaban parte Brian May y Roger Taylor, llamada Smile. Se trata de una balada. Es la típica balada dulce, muy tranquila y pastoral. Sí, hasta que deja de serlo. Hasta que la guitarra de Brian May decide que debe dejar de serlo. Porque hay un momento en el que la balada, gracias a un violento riff de Brian, se transforma en un buen rock duro. Luego vuelve a la balada para finalizar, luego otra vez rock duro y finaliza como balada.

Después viene una de las mejores canciones del disco, Great King Rat. Un gran tema de rock. Comienza con buenos toques eléctricos y versos de tono árabe. El estribillo tiene un paralelismo por la típica canción de niños de Inglaterra, Old King Cole, parodiada por Genesis en su Nursery Cryme. La canción tiene un buen solo de guitarra, y luego pasa a lugares más tranquilos, que a mí me gustan. Pero no acaba esto aquí: vuelve al rock, y con un solo todavía mejor que el primero. Finaliza con un sonido de guitarra que no sé, pero me recuerda al sonido de un helicóptero.

My Fairy King, una extraña balada que comienza con un gran grito de Roger Taylor. Sigue con voz femenina de Freddie, acompañada de un dulce piano. Se trata de una balada fantástica, por así decirlo. Nada terrenal. No es excelente pero ese desorden, no sé, tiene encanto. Es obvio que objetivamente Queen hizo cosas mejores, pero esto me gusta y me permito escucharlo de vez en cuando. Y ojo al solo de Freddie con el piano al final.

Liar es, para mí, la mejor canción del disco. Mejor incluso que Great King Rat. Al contrario que esta, empieza lentamente, con un buen ritmo de batería y aplausos, para acabar en un gran rocker que varía por una serie de partes, todas ellas increíbles. Esto a lo que me refiero con un rock más "cuidado". Contiene riffs a mansalva, sobre todo uno después de un tartamudeo de Freddie que es de los mejores de la carrera de Brian, un buen solo, buenas vocales... Bah, es bueno todo. Vale los seis minutos que dura. Puede que estemos en la antesala, o en una de ellas, de Bohemian Rhapsody.

The Night Comes Down es la tercera balada, y última, del disco. Es la más tranquila de todas. Tiene cierto tono árabe al principio. Para mí es agradable. Transmite su tranquilidad y Freddie vuelve a dar una lección de cómo se canta. Queen haría mejores baladas en su carrera pero esta está bien igual. La balada es buena pero podría haber sido mejor, no sé, algo le falta. Y el estribillo es muy bueno.

Modern Times Rock 'N Roll es la canción más bestia del disco, cortesía de Roger Taylor. No está mal, la voz de Roger como solista nunca me ha gustado pero en esta no suena tan mal. Y el riff es brutal.

Son And Daughter es la otra canción bestia del disco, esta vez cantada por Freddie. Es una canción de blues rock muy, muy pesado. Con un riff bestial, también. A mí nunca me ha terminado de gustar, es decir, me gusta, pero no me encanta como otras canciones. Aunque hay muchos fans que la aman. Pero bueno, qué le voy a hacer. El final del tema, en cambio, sí me mola bastante.

Y llegamos a un tema que a mí me gusta mucho. Jesus. Un tema, que sí, va sobre Jesús, Jesucristo. La voz de Freddie está bien, los versos están bien y el estribillo tiene un quiebre raro pero es extremadamente atractivo, con esos coros. Eso es en la primera parte del tema. Después se transfoma en un rock duro donde aparecen algunos de los momentos más duros del disco, en forma de Brian May, por supuesto. Está bien pero tampoco es que sea memorable, pero bueno, me gustan. Para terminar, vuelve a la melodía principal, para cerrar con el estribillo.

Por último, tenemos una canción instrumental para cerrar el disco. Seven Seas Of Rhye, que sería mejorada en el álbum siguiente, no molesta pero tampoco es que aporte nada al disco.

La versión extendida, que es la que tengo yo, contiene, aparte de cinco demos que Queen grabó para promocionarse cuando eran completos desconocidos, una muy buena balada, Mad The Swine. Se trata de una balada agradable y atractiva, puede ser la mejor del disco si la contamos como que pertenece a él. La voz de Mercury, otra vez, se acaban los elogios para eso, si bien la letra mejor no mirarla.

En conclusión, el álbum debut de Queen se trata de algo completamente distinto al Queen de siempre. Mucho más rockero, mucho más duro, menos ópera, menos pop, menos elaborado (aunque más que muchos grupos que jamás se podrían permitir un álbum como este). No quedará para la historia como uno de los mejores álbumes de Queen pero se puede decir que aporta matices distintos a su obra. Y es un buen álbum, no tan bueno como los que le seguirían pero bueno, igualmente.

The Soft Parade - The Doors (1969)

Nota: 8-

Lista de canciones:

1) Tell All The People
2) Touch Me
3) Shaman's Blues
4) Do It
5) Easy Ride
6) Wild Child
7) Runnin' Blue
8) Wishful Sinful
9) The Soft Parade

Mejor canción: THE SOFT PARADE

Este álbum supuso una ruptura estilística brutal con respecto a los Doors clásicos. No tanto si lo comparamos con Waiting For The Sun, que ya tenía un sonido pop, pero sí si lo comparamos con los dos primeros álbumes. Este álbum lleva lo acontecido en Waiting For The Sun a un extremo: el sonido del predecesor era pop, pero este ya no es que solo sea pop, es que tiene hasta saxos. Ojo, que usar un saxo no es malo de por sí. De hecho, este álbum suele ser tachado como el peor de los seis de los Doors con Morrison por este motivo, pero se las arregla para ser mejor que Waiting For The Sun. En general, los temas pop de aquí funcionan mejor que en Waiting For The Sun: destaca sobre todo Touch Me. Pero además, hay temas más oscuros, que son lo mejor del álbum y lo que le da la calidad. Porque hay muchos temas pop pero Morrison compone canciones que se asemejan a las de Strange Days. Este álbum tiene una cosa diferente de los demás, y es que en este se acredita la autoría personal de cada autor: en realidad solo componen dos de los Doors: Robbie y Jim. Hay cuatro temas de Jim, cuatro temas de Robbie y uno a medias entre los dos. Los tres temas más oscuros del disco son de Jim (el otro es Easy Ride). Robbie se centra más en los temas pop y compone una joya como Touch Me. El tema a medias es Do It. En general, si bien Robbie es un buen compositor, se puede decir que el peso del álbum lo lleva Jim, pues esos tres temas oscuros y clásicos son lo mejor del álbum. Son mucho más fuertes que los más fuertes del álbum anterior, y sobre todo, figura una de las mejores canciones de los Doors, The Soft Parade, con la cual los Doors vuelven a la tradición de finalizar cada álbum con una canción larga como en los dos primeros álbumes (The End y When The Music's Over), que no se continuó en Waiting For The Sun (aunque hubo un intento de incluir una composición de 16 minutos, Celebration Of The Lizard, pero decidieron incluir solo un cacho, Not To Touch The Earth, con buen gusto, pues el tema distaba bastante de ser perfecto). Pero The Soft Parade es mucho más dinámica que sus antecesoras, y más corta, también. Voy con los temas.

El álbum no podía comenzar de manera más pop, con Tell All The People. Es un tema de Robbie que no está mal, pero se parece demasiado a la siguiente canción, Touch Me, que es muy superior, y claro, eso se nota.

Y ese es el mejor tema de Robbie de este álbum. Touch Me demuestra que los Doors también pueden hacer temas fuertes en el estilo pop que practicaban en este álbum, pues este tema tiene una melodía y unos ganchos irresistibles. La actuación de Jim es fenomenal. También me gusta el final abrupto.

Seguimos en la senda de la gloria en Shaman's Blues. Es de Morrison y retoma el espíritu de Strange Days con un tema increíble, con un gran riff de Ray y una buena actuación de Robbie. Ray también se marca un buen solo. El tema es de lo mejor del disco. Solo esto mejora, prácticamente, cualquier cosa de Waiting For The Sun.

Do It no es genial pero no está mal. Es compuesta a medias entre Jim y Robbie. La letra es bastante rara: "Please, please, listen to the children" se repite muchas veces. La música es animada y pop, más de estilo Robbie que de estilo Jim. Y el tema empieza bastante bien, desde luego que es aprovechable.

Easy Ride es un tema de Morrison, el único que dista bastante de la oscuridad de los otros tres. El tema es bastante mejorable la verdad, pero tiene alguna parte aprovechable. Pero es posible que sea de los más débiles del disco.

Wild Child es un tema de Jim. Comienza con un buen riff de Robbie, es el tema más rockero del álbum. Ese riff se mantiene prácticamente durante toda la canción. A pesar de ser rockero, evidentemente, no es un rock normal, rudimentario, es un "rock Doors", pues muestra esa vena oscura y ese estilo característico de los Doors.

Runnin' Blue es frecuentemente señalada como el tema más débil pero a mí no me lo parece. Es un tema pop de Robbie, bastante tonto, pero no me parece ofensivo. Muestra a Robbie cantando, además. Nunca será un highlight, pero no me parece ofensiva y creo que, como relleno, está bien.

Wishful Sinful es una balada compuesta por Robbie en la vena de Yes, The River Knows. La interpretación de Jim es buena y la balada también, pero es la típica canción que puede acabar resultando aburrida. Es buena pero, donde estén baladas como The Crystal Ship o You're Lost Little Girl, que se quite Wishful Sinful.

Y llegamos al mejor tema del disco, la faraónica canción titular, The Soft Parade. La canción comienza con una pequeña melodía a la que le sigue una parte hablada. Finaliza con un espectacular grito de Jim: "You cannot petition the Lord with prayer". Para continuar, tenemos una gran melodía, comienza con un gran "Can you give me sanctuary?". Devuelve a los Doors a su etapa clásica, con esa oscuridad sugerida mediante suaves sonidos. Después saltamos a una parte más pop, muy adictiva. Muestra, además, un buen solo de Robbie. Tras esto, pasamos a una parte que se podría describir como infantil, que también me gusta. Pero lo mejor viene en la siguiente parte, que ocupa más de la mitad de la canción. Es la parte más rockera de la canción. La tensión se va acumulando con una gran actuación de Jim y unas grandes melodías e, incluso, se acumulan varias voces de Jim al final. Todo esto bajo un gran riff de Ray. Es a tres minutos del final cuando se lleva al punto álgido del tema. Es increíble. Incluye una referencia a Horse Latitudes. Este tema, al ser multiparte, muestra mucho más dinamismo que otros temas largos como los que los Doors hicieron en los dos primeros álbumes. Este tema se basta para ser mejor que Waiting For The Sun.

No me entendáis mal, este álbum no es la octava maravilla. Es claramente inferior a los dos primeros y seguramente también lo sea a los dos últimos. Pero me parece que se le tiene demasiado infravalorado: no es el peor álbum de los Doors y tiene momentos impactantes, dignos de los mejores Doors.

Nursery Cryme - Genesis (1971)

Nota: 8+

Lista de canciones:

1) The Musical Box
2) For Absent Friends
3) The Return Of The Giant Hogweed
4) Seven Stones
5) Harold The Barrel
6) Harlequin
7) The Fountain Of Salmacis

Mejor canción: THE MUSICAL BOX

Es posible que Nursery Cryme sea el embrión del gran Genesis de Gabriel, Banks, Rutherford, Hackett y Collins. De hecho, es en este álbum en el que se sustituye al guitarrista y al batería originales para que entren en el grupo dos de los mejores de la historia del instrumento que tocan, Steve Hackett y Phil Collins. Si tenemos en cuenta que el grupo alcanza la cima en Selling England By The Pound, podemos decir que todo lo que pasó en ese álbum se podía ir intuyendo aquí. ¿Qué características tiene el Genesis de Gabriel? Pues una de las más claras es la división del álbum en canciones cortas y grandes épicas, que son las canciones principales de cada álbum. Pues eso ya pasa en este álbum, tenemos tres grandes épicas y cuatro canciones cortas de relleno (aunque una de ellas, Harold The Barrel, es especialmente buena). Pero también hay cosas que diferencian este álbum de lo posterior. Por ejemplo, aquí se nota la falta de piano, instrumento que sobresale en Selling England. La atmósfera de este álbum es distinta, menos moderna, más barroca, cosa a la que contribuye la portada del disco. Eso sí, se nota que es un álbum muchísimo más limitado: más plano, con menos variantes, menos dinámico. Eso hace que resulte más monótono que Selling England. Otra diferencia son las letras. En Selling England encontramos letras más terrenas, más cotidianas, mientras que aquí las letras son más ficticias, más extraterrestres. Solo hay que ver las letras de las tres épicas: un niño muerto que se reencarna en un viejo, un perejil gigante que amenaza con destruir a la población o, la más suave, un bonito mito griego. No sabría decir cuál de las dos temáticas prefiero, en todo caso, cuando tienes a un letrista del nivel de Peter Gabriel (al nivel de los mejores), puedes estar seguro de que escribirá grandes letras de cualquier temática. Mitos, cuentos, críticas a la sociedad, odas a libertadores sudafricanos... Da igual, el tío es un superclase.

Voy a analizar las canciones. Como en Genesis lo importante son las épicas, las dejaré para el final para analizar ahora las cuatro canciones cortas.

La primera, la más corta de todas, For Absent Friends, es cantada por Phil Collins. Se trata de una balada acústica, pequeña pero muy hermosa, con una gran melodía y fenomenalmente interpretada por el, entonces, batería de Genesis.

Seven Stones es la más larga de las canciones cortas, con cinco minutos, y la verdad es que no es mi favorita. Pero en sus cinco minutos de duración alberga momentos hermosos, como el estribillo. Pero quizás sea demasiado larga para lo que tiene que ofrecer.

Harold The Barrel es de largo el mejor tema corto de este álbum. Se trata de una comedia sobre un tío que quiere suicidarse tirándose desde la ventana mientras los vecinos le piden que baje. El tema está fantásticamente realizado, los arreglos son simplemente perfecto y Peter da una clase de como cantar teatralmente. Una de sus especialidades. El tema dura tres minutos y le da mucha fluidez al álbum.

Harlequin es un tranquilo tema acústico. No aporta mucho, pero como pasa con las demás canciones cortas excepto, por supuesto, Harold The Barrel, tampoco resta y tiene momentos bonitos.

Vamos ahora con las tres grandes épicas de este álbum, que son las que verdaderamente le dan nivel a este disco.

El álbum abre de forma tremenda con The Musical Box, la más larga de las tres. La letra de este tema es, simple y llanamente, enferma. Una niña, Cynthia, mata a otro niño, Henry, decapitándolo con un palo de cróquet mientras jugaban. Pero Cynthia encuentra la cajita de música de Henry, abriéndola, sonando una famosa canción infantil, Old King Cole. En ese momento, Henry resucita, pero envejece de forma muy rápida y solo le quedan de niño los ojos y la mente. Henry intenta violar a Cynthia, entonces llega la niñera, que le arroja a Henry la caja de música, destruyéndolos a ambos. Musicalmente, el tema comienza muy lenta, pero cuando arranca de verdad... Madre mía. Steve Hackett en una de sus mejores actuaciones. Se le nota especialmente diabólico en este tema. Directamente, hace lo que le da la gana con la guitarra. Increíble. La voz de Gabriel bien, en su línea. Aunque el tema tenga momentos mejores que otros, en general está muy bien y no tiene grandes momentos de aburrimiento. Y destaco, sobre todo, su gran final. El órgano que estaba de fondo pasa a sonar a tope, mientras que Gabriel grita: "Why don't you touch me? / Touch me / Why don't you touch me? / Touch me / Touch me now, now, now, now, now / Now, now, now, now, now". Una orquestación perfecta de la cual Beethoven estaría orgulloso. Así se acaba un tema, señores.

The Return Of The Giant Hogweed sigue en la línea de grandeza de The Musical Box, y también en su línea de letras extrañamente extrañas. Va en serio: un perejil gigante amenaza con destruir a la población. Así me gusta, realismo en estado puro. No, es coña, me encanta la letra, Gabriel la canta de un modo distinto al que suele usar, y hace que la canción tenga vida. El tema se nota más cohesionado que The Musical Box, con menos bajos, aunque también tiene menos puntos que me hagan flipar, pero el tema, íntegro, es muy bueno. Sobre todo un gran solo de Mr. Hackett y otro gran final, con unos grandes órganos.

El álbum cierra con la tercera gran épica, The Fountain Of Salmacis. En este caso los tipos relajan un poco y la letra es un hermoso mito griego. También me gusta: un buen inicio, una buena actuación de Peter, la buena letra, y, sobre todo, un fantástico estribillo, de himno, que hace que sea una canción propia para terminar un álbum. Tiene una buena parte instrumental en medio, y, otra vez, destaca por un cojonudo final que nos deja boquiabiertos el último minuto de canción. Todos esos instrumentos, esa guitarra de Steve, esos coros... Increíble. Así se termina un tema, señores. Así se termina un álbum, señores.

En conclusión, aunque mucha gente critica el álbum por ser demasiado plano, sin las variantes de las qure Genesis haría gala más adelante, a mí no me aburre tal como afirma esa gente. Tres de las mejores épicas de Genesis están aquí, y uno de los mejores temas cortos también. Es verdad que los tipos mejorarían y perfeccionarían su música más adelante, alcanzando la cumbre en Selling England By The Pound, pero eso no me va a hacer, desde luego, desdeñar este álbum. El gran Genesis de Gabriel se comienza a construír aquí.

Waiting For The Sun - The Doors (1968)

Nota: 7-


Lista de canciones:

1) Hello, I Love You
2) Love Street
3) Not To Touch The Earth
4) Summer's Almost Gone
5) Wintertime Love
6) The Unknown Soldier
7) Spanish Caravan
8) My Wild Love
9) We Could Be So Good Together
10) Yes, The River Knows
11) Five To One

Mejor canción: SUMMER'S ALMOST GONE

Acabó la noche y comenzó el día. El año pasado teníamos dos álbumes en los que se veía a los Doors oscuros, creando melodías que se arrastraban por atmósferas nocturnas y, por momentos, malévolas. Pero de repente, comienza este álbum, y oímos una feliz canción pop como es Hello, I Love You. Este, definitivamente, no es un álbum de rock psicodélico. Para empezar, muchas veces es más tirado hacia el pop que hacia el rock, y por otro lado, deja de ser tan psicodélico. Digo esta frase porque hay temas que todavía guardan la vena oscura de antaño, como Not To Touch The Earth. Vamos a ver cómo en este álbum se desvanece toda la consistencia que Jim, Ray, Robbie y John habían mostrado en los dos primeros álbumes. Vamos a ver cómo desaparece la oscuridad para dar paso a la luz. Vamos a ver como el rock cede ante el pop. Y, además, vamos a ver el peor tema de la historia de los Doors (contando solo la etapa con Morrison).

El disco comienza con el que puede ser el tema más 'poppy' del álbum, Hello, I Love You. Y demuestra que ser 'poppy' no tiene por qué ser malo de por sí, pues este es uno de los mejores temas del disco. Un buen ritmo de John, una melodía infecciosa y buenos detalles de Ray con el órgano son los mejores detalles del tema.

Love Street no me gusta tanto. Se trata de una balada anti-psicodélica. Todo lo que no te imaginabas de los Doors de Strange Days aparece aquí. Compárese con las baladas de los dos álbumes anteriores. No es una mala canción, pero es de esas típicas que, sin ser malas, acabas por pensar que no ofrece cosas muy interesantes.

En Not To Touch The Earth los Doors nos recuerdan a los de antaño, con un tema bien oscuro y psicodélico, aunque la atmósfera de oscuridad se logra más con ruido que con sonidos simples que se dejaban caer, como antes. La primera parte del tema es fantástica, de una oscuridad, yo diría, superior a los dos álbumes predecesores. La segunda parte se basa más en gritos de Jim y buenos toques de Robbie y Ray. No me disgusta, al contrario, me parece que, aunque sea de otra forma, logran dar caos y oscuridad al tema. Y por cierto, la última nota de la canción le puede dar un susto a más de uno.

Summer's Almost Gone es otra balada para nada psicodélica, pero mucho mejor que Love Street. Definida en una palabra: calidez. Eso es lo que transmite esta canción, fantásticamente arreglada entre Robbie, Ray y John y con buena pista vocal de Jim. Demuestra que los Doors no solamente eran unos tíos que solamente sabían hacer canciones con atmósfera oscura, sino que eran unos tíos de calidad que podían hacer lo contrario si quisieran, y hacerlo bien.

Wintertime Love es una canción, tipo vals, que no está mal, pero tampoco pasará por un gran tema. Está un poco edulcorada, pero ya digo, no está mal.

The Unknown Soldier es otro de los mejores temas, con unas buenas melodías y unos buenos arreglos. Tiene una parte más oscura que otra pero yo no la calificaría como oscura. De hecho, la parte buena e importante es bien pop. Pero no importa que sea pop, si es un buen pop.

Spanish Caravan no me entusiasma. Se trata de un tema tipo español. Robbie practica imitando a Paco de Lucía pero no me termina de convencer. El tema tiene ciertos tintes oscuros, pero solo oscuros, y la canción no está precisamente muy bien hecha. A mí me deja bastante que desear, aunque tampoco es mala.

My Wild Love es, directamente, el peor tema de los Doors. Sin más. A lo mejor los Doors tenían la obligación de grabar tres minutos más de álbum, no tenían tiempo y grabaron esto para rellenar. Porque, señores, esto es una puta mierda. Así.

Menos mal que retomamos el vuelo con We Could Be So Good Together. Es de mis favoritos. Se trata de otro tema pop, con un buen riff de Ray con el órgano y que, sin ser muy psicodélico, nos recuerda cosas de los Doors clásicos. A mí me gusta mucho. No cabe duda de que es una canción repetitiva, pero me sigue gustando mucho. Es lo que se dice, pegadizo. Todo en el tema está muy bien hecho y cohesionado.

Continuamos con otra balada anti-psicodélica, Yes, The River Knows. A saber qué sabe el río, pero el tema es bueno. La melodía es buena y la voz de Jim suena bien, y bien profunda. Tampoco es que tenga mucha vida, pero bueno, no está mal.

Por último, el tema más rockero del disco: Five To One. Un tema violento, lleno de tensión, que no de oscuridad, aunque a mí toda esa tensión acumulada no me mola tanto. No se acumula mediante la oscuridad como en Strange Days, sino que por medio riffs violentos que, si bien no están mal, no me parecen lo más afortunado que hayan hecho los Doors. Y me parece que la canción debería durar menos.

En fin, aquí tenemos al peor álbum de los Doors. Una lástima que bajaran tanto el nivel. Pero pensémoslo mejor, igual si hubieran seguido con la oscuridad se hubieran vuelto más rudimentarios en ese matiz, y el hecho de que al tercer álbum la dejaran de lado hace que la añoremos, que la echemos de menos, y que la queramos volver a escuchar una y otra vez. Hace que sea algo más especial. Por cierto, mucha gente señala al álbum siguiente, The Soft Parade, como el peor de los Doors y no, es este.

Strange Days - The Doors (1967)

Nota: 10+

Lista de canciones:

1) Strange Days
2) You're Lost Little Girl
3) Love Me Two Times
4) Unhappy Girl
5) Horse Latitudes
6) Moonlight Drive
7) People Are Strange
8) My Eyes Have Seen You
9) I Can't See Your Face In My Mind
10) When The Music's Over

Mejor canción: WHEN THE MUSIC'S OVER

El mismo año que los Doors sacan su álbum debut, sacan este. La temática es continuista: continúa la oscuridad, los riffs de órgano, las letras atemorizantes... Sí cambian algunas cosas: el álbum anterior es más puramente rockero. Este se centra más en la oscuridad. Pero no es oscuridad por el hecho de tener oscuridad: es oscuridad acompañada de unas geniales melodías pop, lo que le da al álbum (y a la primera etapa de la banda) un carácter especial. Es posible que alguien piense que, debido a la oscuridad, este álbum va a ser poco audible, con un cojón de instrumentos raros y disonantes por aquí y por allá; pero nada más lejos de la realidad, es una oscuridad atractiva y cualquier persona (menos algunos que lo máximo que soportan es Céline Dion) es apta para ser atrapada por ella. Además, no hay ninguna canción que "fastidie" esa oscuridad. En el álbum anterior, teníamos un puñado de canciones que desentonaban con la tónica dominante y le quitaban la oscuridad al álbum. Pues eso, que aquí no hay ninguna. Todas son oscuras. Todas. Por eso, este es el álbum más oscuro de los Doors (lo cual es decir bastante, aunque en los siguientes álbumes la oscuridad sería abandonada). Se trata de una oscuridad, como ya había dicho, muy bien construida. Sin disonancias. No es una oscuridad que le quite atractivo a la canción, al contrario, es algo que apetece oír. Por otro lado, tenemos lo de las grandes melodías. Se trata de canciones, muchas de ellas, con una buena estructura interna, es decir, si les quitásemos la oscuridad, serían buenos temas (aunque la oscuridad hace que sean temazos). Si juntamos las melodías pop y la oscuridad, tenemos uno de los mejores álbumes jamás hechos, y unos de los álbumes más peculiares del mundo, símbolos de una de las bandas más particulares del mundo.
Vamos con los temas.

El tema titular abre con unos sintetizadores para dar paso a una ecualizada voz de Jim, que, como en el álbum anterior a este, abre con unos versos estremecedores: "Strange days have found us / Strange days have tracked us down". La canción es de lo más oscuro del álbum. Quizá se eche un poco de menos más protagonismo de Robbie. El tema continúa en la misma senda, cuando de repente, Jim da un espectacular grito para que entre Ray con los teclados, además de un afinado John Densmore en la batería.

El siguiente tema es uno de los temas más tranquilos del álbum, y demuestra que la oscuridad no tiene por qué estar reñida con la tranquilidad. De hecho, muchas veces impacta más una oscuridad tranquila y suave que una oscuridad tensa y disonante. El caso es que You're Lost Little Girl es una balada cojonuda, con un estribillo muy bueno y un genial Ray con el órgano. Es posible que la mejor parte de la canción llegue con el espectacular solo de Robbie. Un solo de antología.

Love Me Two Times es de los temas más conocidos aquí, y el único puramente rockero. El tema, como siempre, dispone de unas grandes melodías y de un buen estribillo. Aquí, destaco el gran riff que abre la canción, cortesía del gran Robbie Krieger. La canción se va empapando de intensidad hasta llegar al estribillo final, donde Jim saca toda su rabia.

Unhappy Girl es una pequeña joya. Comienza con una brillante introducción de órgano de Ray, para seguir con una buena melodía con unos grandes arreglos. La canción dura menos de dos minutos, no es nada, pero le da tiempo para no dejar indiferente al oyente.

Ahora vamos con una de las composiciones más raras de los Doors: un poema. Sí, un poema. Se trata de Horse Latitudes. El poema es en la tónica de Jim, es decir, tirando a surrealista, trata sobre caballos que son tirados por la borda de un barco y se ahogan. A este se le añaden unos efectos para provocar oscuridad y locura. El tema no es gran cosa, musicalmente no aporta nada pero no lo voy a tachar de azul porque en realidad, es un poema, y seguramente como tal sí tenga valor. Tampoco lo voy a poner de rojo porque esto es un álbum de música y si no hay música, pues ya me contarás.

Continuamos con Moonlight Drive. Estamos ante el tema que dio lugar a la aparición de esta banda, la mejor banda americana de la historia. Fue cuando Jim se encontró casualmente con Ray. Jim le comentó que había estado poniendo música a algunos poemas suyos, y le cantó este, Moonlight Drive. Ray quedó fascinado y le propuso formar una banda con sus hermanos, a los que no les moló tanto la idea. Al final, se unieron Robbie Krieger y John Densmore. Es decir, que ya podemos estar dando las gracias a esta canción. Resulta curioso que, siendo la canción que dio origen al grupo, no esté en el álbum debut. Eso fue porque a la banda no le satisfizo el resultado final de la canción. Sin embargo, tras el álbum debut, la banda había saltado al estrellato y disponía de muchos más medios (y más tipos de órgano y teclado, por ejemplo), y entonces sí consiguieron lo que esperaban. De hecho, en la versión remasterizada del álbum debut, se incluyen dos versiones primitivas de Moonlight Drive. Ambas inferiores a esta, por supuesto, con lo cual se puede decir que los Doors fueron sabios al retrasarla. La canción comienza con un teclado atrapante y una melodía de Jim que engancha. La canción se va deslizando hasta un estribillo, y le sigue un buen solo de Robbie. Cuando Jim retoma la marcha, le entra la furia y grita con todas sus fuerzas. El acompañamiento musical es perfecto y la batería de John está muy bien. Un highlight.

Seguimos con la que puede ser la más famosa de este álbum, People Are Strange. La canción es lenta, con un gran acompañamiento de Robbie y acaba con un Jim cantando a varias voces. La parte del solo es muy buena. La letra también es buena, trata sobre la alienación que puede provocar ser un desconocido para todos y sentirse apartado. Todos nos hemos sentido así alguna vez.

El siguiente tema es menor, se trata de My Eyes Have Seen You, por el cual estuvieron en problemas con los Kinks, por cierto. Al parecer se parece demasiado a su famosos tema, You Really Got Me. La canción no es tan buena como las anteriores, aunque tiene alguna cosina interesante, pues aporta los pasajes más duros del disco.

Justo lo contrario es I Can't See Your Face In My Mind, que aporta los momentos más tranquilos del disco. De hecho, para mí, es excesivamente lenta, aunque es buena, además de mostrar a Ray tocando las marimbas. Quizá también sea demasiado larga, pero bueno, tampoco pasa nada, eh.

Por último, tenemos una analogía con el final del anterior álbum. Si el álbum debut tenía The End, este tiene When The Music's Over. Y he de decir que, si bien The End es mucha más famosa y recordada, esta es superior. Los problemas que se le achacaban a The End es que no tiene dinamismo, y esta canción, aun sin ser especialmente dinámica, lo arregla. El sistema es similar, la duración es similar. Pero da la sensación de que no se hace tan larga. De que está más currada. De que los Doors aprendieron de sus errores y decidieron enmendarlos. La canción comienza con un riff de organo casi copiado de Soul Kitchen. Entonces entra Jim, y debo decir que es espectacular la parte en la cual grita. Tras esta parte, llega la parte instrumental, zona de lucimiento para John, que demuestra su gran habilidad para tocar la batería. Tras esta parte, Jim salta con un brutal "We want the world and we want it... / NOW!", seguido de un potento grito de Jim. También tiene una parte que se asemeja a una parte de Light My Fire, concretamente, al final de los solos. Por último, vuelve la melodía principal, para concluir a toda potencia, con Jim gritando a pleno pulmón y unos enormes órganos, para terminar la canción. Para mí, la mejor del álbum y uno de los grandes temas del grupo.

En conclusión, tenemos aquí al mejor álbum de los Doors. Un buen punto para empezar con la corta discografía de este grupo. No hay temas malos (la rereza de Horse Latitudes aparte, pero es eso, una rareza). Los temas van desde lo bueno hasta lo genial. Amén de la atmósfera que los Doors crean en este álbum y que jamás crearían en ningún otro álbum.

Selling England By The Pound - Genesis (1973)

Nota: 10+

Lista de canciones:

1) Dancing With The Moonlit Knight
2) I Know What I Like (In Your Wardrobe)
3) Firth Of Fifth
4) More Fool Me
5) The Battle Of Epping Forest
6) After The Ordeal
7) The Cinema Show
8) Aisle Of Plenty

Mejor canción: DANCING WITH THE MOONLIT KNIGHT

Uno de esos casos en los que una banda es menos conocida de lo que debería. Quizás por lo complejo de su música. Quizás por los arreglos bizarros y los sintetizadores barrocos. Quizás por las letras raras, extraterrestres y filosóficas de sus canciones. Quizás por la longitud de estas. Quién sabe.

Más raro es, aún, que la etapa más conocida popularmente es la menos buena, la liderada por Phil Collins, y no la que es realmente buena, la liderada por Peter Gabriel. Quizás porque la música de la etapa de Phil es más comercial, más pop y más simple que la de la etapa de Peter. Aunque en términos de calidad musical, no hay color.

Genesis, que, inicialmente, era un grupo pop, acaba inscribiéndose en la corriente musical que comienza King Crimson, el rock progresivo. Y acaba convirtiéndose en uno de los mejores grupos del género, si no el mejor, junto a grupos como el propio "Rey Carmesí", Yes y Pink Floyd. Este movimiento destaca por una música muy pulida, muy elaborada, los artistas buscan, pues eso, el arte, la complejidad, y esta música puede llegar a asemejarse a la música clásica. Las canciones pueden durar la hostia en comparación con la música pop de siempre. El rock progresivo es una evolución del pop psicodélico, buscando dar mayor consistencia artística a su música. Esa complejidad hace que no guste a todos, que probablemente preferirán una dulce melodía de Paul McCartney. Hay que hacerse a esta música. Pero una vez te haces... Tela.

Genesis cuenta, en el momento de este disco, con cinco integrantes. Peter Gabriel es el cantante, uno de los compositores (aunque Tony Banks y Mike Rutherford tenían más peso compositivo) y flautista. Pero sobre todo, era el letrista perfecto. Poca gente ha llegado al nivel al que llegó este hombre con las letras de las canciones. Algunas son de elementos extraterrestres y ficticios, pero otras incluyen problemas cotidianos, muchas veces reflejados con una suave crítica. De hecho, en Genesis existe la corriente de contar historias en sus canciones. Y a Peter le sale de fábula. Y no solo eso, sino que además las representaban en los conciertos, y Peter llegaba a disfrazarse de los personajes de los cuentos. Tela. Este es el penúltimo álbum de Genesis con Peter y vaya si se notó su marcha. Tenemos a Mike Rutherford, un buen bajista y un gran compositor de rock progresivo. Luego está Tony Banks, un buen teclista y pianista (a veces se pasa con el sintetizador, a veces la clave está en la suavidad y no en poner instrumentos porque sí), y también, gran compositor. Tenemos a uno de los mejores guitarristas de la historia, Steve Hackett. Innovador como pocos, creó las técnicas del tapping  y del picking. Su calidad está fuera de toda duda. Solo hay que mirar temas como The Musical Box o Firth Of Fifth. Lo que pasa es que era poco mediático, no rompía sus instrumentos contra el suelo ni se ponía a dar saltos por el escenario como si estuviera poseído. Quizás por eso es menos conocido. Por último, Phil Collins, el batería de la banda, y en eso debería haberse quedado. Porque como compositor y cantante, no es tan bueno (no es tan buen compositor como Banks y Rutherford ni tan buen cantante como Gabriel). Pero, eso sí, como batería es uno de los mejores de la historia, sin ninguna duda. Por suerte, en este álbum todo está en orden.

Con este álbum, Genesis confirma lo que se venía intuyendo desde Nursery Cryme. Este era un buen álbum, pero era imperfecto, tenía fallos, aburría por momentos. Foxtrot adolecía de fallos similares aunque podía ser un poco mejor. Nada de eso pasa en Selling England By The Pound, aquí todo es perfecto. No hay ni un tema malo. Las largas épicas no aburren. Es por eso que este es el pico de Genesis. Y no solo eso. TAMBIÉN ES EL PICO ABSOLUTO DEL ROCK PROGRESIVO. Si te gusta este estilo de rock, cómprate esto.

Como sabéis, en el rock progresivo, lo importante son las épicas, las canciones largas; y son menos importantes las canciones normales. En este análisis empezaré por las pequeñas para acabar con las épicas. Indico además que en este caso las épicas son las impares y las cortas las pares. Aisle Of Plenty es un epílogo de dos minutos. Para mí, están inteligentemente intercaladas.

La primera canción corta es I Know What I Like (In Your Wardrobe). Se trata de pop. Pero es un buen pop, no como las últimas etapas de Genesis bajo el liderazgo de Phil Collins. La melodía es especial, parece que no va a ninguna parte. Pero va. El estribillo es especial pero se acaba pegando. El tema es bueno y funciona muy bien.

More Fool Me es un tema de Phil. Y cantado por él. Puede ser el momento más débil del disco, pero no es nada mala. Se trata de una balada acústica y simple, que funciona bien como momento tranquilo después de la bestia que es la canción anterior, Firth Of Fifth. Los versos son mejorables, pero el estribillo es muy bueno.

After The Ordeal es un tema instrumental. El único de este álbum, de hecho. La primera parte es buena, pero destaco más la segunda, con un gran solo de Steve Hackett. Demostrando su virtuosidad, como debe ser. El tema es tranquilo, lo que favorece el solo de Hackett.

Por último, Aisle Of Plenty. Se trata de un epílogo que cierra el álbum como lo empezaba la primera canción del álbum, Dancing With The Moonlit Knight. Lo cual está bien para darle cierta cohesión al álbum, aunque musicalmente no aporte. La letra es especialmente rara.

Ahora vamos con lo verdaderamente importante, las épicas. La primera es Dancing With The Moonlit Knight. Estamos ante un tema espectacular. Comienza con la voz a cappella de Peter, a la que luego se le van añadiendo algunos instrumentos. A los dos minutos comienza el estribillo, una de las cosas más atrapantes que he escuchado. Y después de eso, algo mágico: el break instrumental. Madre mía. Qué cosa. Los solos de Steve Hackett. Porque no es uno, son varios, y todos son buenísimos. La batería de Phil también es muy buena. Posteriormente, vuelve a haber un estribillo, esta vez más alargado, para luego finalizar con más instrumental. La canción acaba muy suavemente, al contrario de lo que Genesis nos tiene acostumbrados. La letra es una crítica a la sociedad de Inglaterra. Es una de las mejores letras de Peter. Esas referencias, esas metáforas... Buf. Vamos, que estamos ante una épica redonda y perfecta.

La siguiente no es de menos. Estamos ante un himno, Firth Of Fifth. Comienza con una introducción de piano de Tony que me deja alelao cada vez que la escucho. Después comienzan los versos, de una gran potencia, con unas grandes línea rítmicas de bajo. Y teclados por detrás. Tras eso, llega otro break instrumental. Comienza con un piano para dejar paso a un magnífico solo de flauta de Peter. Después, más piano para llevar a un solo de teclados, donde se rememora la fantástica introducción. ES muy bueno y animado, y está acompañado de una fantástica batería de Phil. Pero la mejor parte del break es la última, el solo de Steve. Si esto es un solo como Dios manda y lo demás son tonterías, pues se dice, y ya está, no pasa nada. Porque la melodía de este solo te deja atrapado. Steve combina la virtuosidad con la capacidad de hacer que su música suene interesante (que no todos los virtuosos lo hacen, ojo). Tras esto, volvemos a los versos, para finalizar la canción con más piano. Las letras, para mí, son demasiado pretenciosas. No son malas, eh. Aunque quizá se nota que las escribieron Tony y Mike y no Peter.

La siguiente es The Battle Of Epping Forest. Comienza con una suave melodía de flauta para irrumpir, de golpe y sorprendiendo al oyente, en una atractiva y alegre melodía. Es una épica más desordenada que las anteriores y seguramente, por su carácter, menos seria. Pero atrapa y, a mí, me encanta. Es la más larga de todas, además. La letra trata sobre una batalla de gángsters en un bosque. A pesar de que, como veis, no es tan seria como las dos anteriores, no deja de ser un temazo (cabe recordar que Genesis, antes de este álbum, venía haciendo temas de niñas que arrancan cabezas de amigos con martillos, viejos violadores o perejiles asesinos), y no es peor que las demás. Es más, por momentos, puede parecer la mejor canción del álbum.

La última es The Cinema Show. El tema comienza como una balada tranquila y envolvente, que trata sobre la seducción entre el hombre y la mujer. Aunque no es lo que más destaca del tema, a mí me gusta mucho. Pero lo mejor es la segunda parte. Una suite con solos de Tony Banks, todos muy buenos, como todos los instrumentales en este álbum. Sobre todo, me ENCANTA lo que hay entre los minutos 7 y 8. Simplemente, música celestial para los oídos. Esta canción enlaza con Aisle Of Plenty para cerrar el álbum. Y añado que esta también podría ser mi favorita, porque tiene unos momentos... increíbles. Digo esto porque con tanto temazo por aquí y por allá me voy a sentir mal por no poder dar cuatro premios a la mejor canción para las cuatro épicas.

Pero bueno. Estamos ante un álbum que me produce unas sensaciones de placer que ningún otro álbum del mundo puede producirme. El culmen del rock progresivo, la cima de Genesis. Donde ningún otro grupo llegaría jamás. Si te gusta el rock progresivo, debes tener esto. Si quieres empezar a escuchar rock progresivo, este es un buen punto para empezar. E incluso si no te gusta, esto te tiene que molar. Porque puede ser el mejor álbum de la historia (desde luego, está entre los candidatos). Quizá le cueste porque es más complejo que muchos otros competidores, pero por calidad musical, ¿por qué no puede serlo? Porque tiene igual o más calidad que cualquiera.

Creo que he sido bastante sincero con lo que es para mí este álbum. A mí me pegó de primeras, pero cuando lo vuelves a escuchar y vas captando los matices... Es que no hay una escucha que no sea aprovechable. Gracias a Genesis por crear esto. Uno de los puntos álgidos absolutos de la historia del rock.

The Doors - The Doors (1967)

Nota: 10-
Lista de canciones:

1) Break On Through (To The Other Side)
2) Soul Kitchen
3) The Crystal Ship
4) Twentieth Century Fox
5) Alabama Song (Whisky Bar)
6) Light My Fire
7) Back Door Man
8) I Looked At You
9) End Of The Night
10) Take It As It Comes
11) The End

Mejor canción: LIGHT MY FIRE

Año 1967. Hippismo. Flower power. Paz y ácido. Eso es lo que hay por aquel entonces en la costa oeste de los Estados Unidos, y entonces aparecen los Doors. Los Doors, con sus lagartos maléficos, sus ambientes nocturnos y perversos, su música oscura... De alguna forma, esto es completamente rompedor. Jim Morrison es el cantante y compositor principal, un buen cantante, sin ser genial, pero lo que más le destaca es la habilidad de 'showman' y, sobre todo, su capacidad lírica. Robbie Krieger es el compositor secundario y guitarrista. Y es un buen guitarrista. Y sobre todo, algo que a mí me gusta mucho, que tiene un estilo propio. Eso lo veréis en este disco, tranquilos. Ray Manzarek es el organista y teclista, y este es un crack, el dios de los teclados. Capaz de crear sensaciones únicas con su órgano. No es necesario tanto virtuoso porque lo importante no es que suene virtuoso, si no que suene interesante, y lo suyo suena más interesante que cualquiera. Por último, John Densmore, el batería, cuyos registros van desde lo bueno hasta lo muy bueno, tiene un estilo jazzero que le va bien a la banda. Así, tenemos una banda bastante peculiar. Por ejemplo, no tiene bajo, y Ray tuvo que tocar el bajo con la mano izquierda. Más adelante, músicos de sesión participarían en el grupo. Estilo: los Doors tienen un estilo único e inimitable. Los únicos capaces de fusionar toda esa oscuridad gótica con unas melodías pop increíblemente pegadizas. Y funciona bien. En este álbum se muestra todo eso.

El álbum abre a todo culo con Break On Through (To The Other Side). El tema es rockero, comienza con un riff de guitarra muy bueno y el tema es buenísimo. 'You know the day destroys the night / night divides the day / tried to run / tried to hide / break on through to the other side'. Me gusta sobre todo la parte del medio, con esos increíbles órganos... Cortesía de Ray Manzarek.

Soul Kitchen es otro tema rockero, que muestra un buen riff de órgano. Solía ser el tema que cerraba los conciertos. Es muy bueno aunque no llega al nivel de Break On Through.

The Crystal Ship es una de mis favoritas, y desde luego, una de las mejores baladas de los Doors. Misterio es lo que describe esta canción. También tiene un buen solo de piano. La melodía es buena y los arreglos también. El ambiente es increíble.

Twentieth Century Fox es un tema pop pegadizo bastante bueno. Los hay que la critican por ser pop, pero este es buen pop. La canción es buena y punto.

Alabama Song (Whisky Bar) es un tema que parece sacado de una ópera (y de hecho este es un cover sacado de una ópera). Lo que podría parecer forzadísimo, no lo es. Los Doors consiguen convertir esa canción a su estilo y el resultado es muy bueno. Los arreglos son buenos y genuinos, y responden al estereotipo de la "canción Doors". Como si fuera suya de toda la vida, vaya.

Y llegamos a la que para mí es la mejor canción del disco. Hablo de Light My Fire, un tema compuesto por Robbie. Comienza con un órgano que puede parecer fuera de lugar pero que una vez captado no te puedes imaginar la canción sin él. La melodía es buena, pero si la canción es inmortal es porque tiene unos solos increíbles en el medio. El tema dura casi siete minutos y tiene solos de órgano y guitarra, cortesía de Ray y Robbie. Existe una versión con esos solos amputados, una basura, vamos. Aunque eso no es culpa de los Doors, sino de las productoras. La pista vocal del final es infecciosa, pegadiza. Los solos te transportan como si estuvieras en pleno viaje psicodélico. Es posible que sea la mejor canción del grupo.

Back Door Man es el tema más duro del disco. A mí me gusta pero no tanto como los seis temas anteriores. Aun así, muestra un buen órgano, que hace el riff de la canción, y Jim hace una buena actuación con esos gritos.

I Looked At You es un tema que muchos odian por su carácter demasiado poppy. Comparado con las atmósferas oscuras de otros temas, pues es lógico que este parezca poppy, y de hecho, lo es. Pero el tema, sin ser gran caso, no es malo, es pasable. No creo que haya que marcarla de azul.

End Of The Night puede ser el tema más oscuro del disco. La atmósfera de oscuridad de esta canción puede dar incluso miedo. En este caso, la canción es bastante lenta. Lo cual demuestra que, muchas veces, la mejor forma de lograr oscuridad es mediante ritmos lentos. Como en esta canción.

Take It As It Comes es otro tema odiado, aunque menos que su compañera I Looked At You. Por el mismo motivo. En este caso, el tema es bastante más amenazante. Y muestra buenas secciones instrumentales. No es de mis favoritos pero no lo voy a marcar de azul.

Por último, una obra mastodóntica, The End. Dura más de once minutos y Jim saca todo tipo de letras extrañas y metafóricas en este tema. La canción empieza de forma espectacular con una línea de guitarra muy buena, y la tensión que se va acumulando hasta el final del tema es increíble. También aprovecha para hacer mención al Complejo de Edipo en la línea 'Father / Yes son / I Want To Kill You / Mother / I Want To..............'. Vale. Pero tiene un problema, y es que es PLANA. Demasiado. La canción no cambia en ningún momento de sus once minutos y eso es un problema para los que se aburren fácilmente, y de hecho bastante gente se aburrirá con este tema. Que conste que a mí me gusta mucho, pero no será obra maestra por su dinamismo, precisamente. Bueno, tiene otras cosas muy buenas.

En fin, este es el álbum debut de los Doors, sin duda, uno de los mejores debuts de la historia. No es un álbum redondo, tiene fallos, pero tranquilos, que el siguiente álbum sí puede ser redondo. Todo lo que se plantea aquí llegará a su máxima expresión en el álbum siguiente. Y es que este álbum es muy bueno, pero parece que le falta un puntito para llegar a lo máximo.

¿Cómo funciona el blog?

En primer lugar quiero aclarar el significado de los colores rojo, negro y azul cuando aparecen en las listas de canciones. Las que están en rojo son las que, a mi juicio, destacan, y las que están en azul, las que fallan, las que considero que no merecen mucho la pena. Las que están en negro son normales. Así, se establece una clasificación dividiendo los temas en buenos, normales y malos. Luego, elijo la que yo creo que es la mejor canción del disco. Evidentemente, de haber temas rojos, por lógica, tiene que ser un tema rojo; y de no haberlos, uno negro.

En segundo quiero aclarar que esto es un blog de crítica subjetiva, no objetiva. ¿Os imagináis cómo sería un análisis objetivo de un álbum?

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band es un álbum del grupo británico The Beatles lanzado en 1967. Consta de 13 canciones, es de rock psicodélico, tiene esto, tiene lo otro, bla bla bla...

Menudo coñazo. Lo guay es hacer análisis subjetivos. Y eso es lo que yo hago. O sea, es mi opinión, no datos objetivos e irrevocables.

De momento, tengo la sensación de que el blog va bien. Espero seguir trabajando en él. Espero que hoy, o, como mucho, mañana, haya una entrada sobre un disco de un grupo que no sean los Beatles. Gracias.

Abbey Road - The Beatles (1969)

Nota: 10+

Lista de canciones:

1) Come Together
2) Something
3) Maxwell's Silver Hammer
4) Oh! Darling
5) Octopus's Garden
6) I Want You (She's So Heavy)
7) Here Comes The Sun
8) Because
9) You Never Give Me Your Money
10) Sun King
11) Mean Mr. Mustard
12) Polythene Pam
13) She Came In Through The Bathroom Window
14) Golden Slumbers
15) Carry That Weight
16) The End
17) Her Majesty

Mejor canción: HERE COMES THE SUN

1969 parece haber sido un año especialmente prolífico para el rock. Es un año de grandes álbumes, donde varias bandas alcanzan su punto álgido. Y aun así, ninguno de esos álbumes alcanza la grandeza de este. Porque este, así directamente, es el mejor álbum de los Beatles, y, como comprenderéis, tiene papeletas para ser el más grande de todos los tiempos. El contexto del álbum es distinto a los anteriores. La relación entre los Beatles no es la mejor, hay discusiones entre ellos, encima ha aparecido en escena la infame Yoko Ono. Los Beatles intenta hacer una cosa rara, algo así como un vídeo sobre su convivencia interna, que acabaría siendo el álbum posterior Let It Be. Pero la situación, evidentemente, resulta insostenible y acaban parando el proyecto. Tras esto, se ponen serios. La mejor banda de la historia no podía acabar así, tenían que acabar eso de manera digna. Por eso, deciden que se van a juntar en el estudio y que grabarán, con seriedad, un último álbum. Es por esto que podría decirse que el último álbum de los Beatles es este y no Let It Be. No sé si debido al ambiente, este álbum tiene una vena más seria que los demás. Es un álbum poco psicodélico, solo Come Together y Because tienen características psicodélicas. Pero lo importante es que la banda suena más ajustada y perfecta que nunca. Sabían que esta era su última y decidieron darlo todo, sin mariconadas. En cuanto al concepto, John defendió un álbum normal y corriente mientras que Paul quería un álbum que fuera, enteramente, una suite. Finalmente, ni pa' uno ni pa' otro: la primera parte del álbum es lennoniana y la segunda, mccartneyana. Aunque en realidad la segunda parte no es una suite, son dos, pero el concepto es el mismo.

El álbum empieza con un tema psicodélico, Come Together. Debo decir que antes odiaba este tema. No sé, quizás era demasiado pequeño como para entender la psicodelia. Por suerte para mí, ahora me encanta. Formó parte de un sencillo, acompañado por el siguiente tema del disco, un tema de George, Something. Y es posible que sea una de las mejor composiciones de George. Se trata de la balada perfecta, no peca de monótona, ni de excesivamente azucarada, ni peca de cualquier otra cosa, es perfecta. Fijaos que Frank Sinatra llegó a decir que Something era la mejor balada de Lennon/McCartney, en desconocimiento de que en realidad ninguno de los dos había compuesto la canción. El siempre infravalorado George Harrison, señores. Ese tipo.

Seguimos con dos temas de Paul. El primero es Maxwell's Silver Hammer, un tema pop pegadizo, en la vena de Paul. Como en todo el álbum, la banda está perfecta y los arreglos son lo que tienen que ser, perfectos. El siguiente, para mí, es mejor: Oh! Darling es una canción donde Paul da un repaso de como se debe cantar una canción así. John se quejó de que esa canción era más de su estilo y que Paul debió cederle el paso para que la cantara, pero no voy a negar que Paul lo hace de puta madre, porque lo hace de puta madre.

Ahora tenemos la única composición de Ringo. Octopus's Garden es un tema, que aunque es de la autoría de Ringo, es rumoreado que George "ayudó" con él. En todo caso, el tema es muy bueno y un clásico, la voz de Ringo suena mejor que nunca, el efecto durante el increíble solo de guitarra de George es de parecer estar bajo el agua, muy bueno.

Seguimos con un tema de John. I Want You (She's So Heavy) continúa en la vena de Helter Skelter, pues, al igual que ella, gusta de patear culos. Es un tema de siete minutos con una letra megasimple, los arreglos son simplemente perfecto y la tensión que se va acumulando al final es increíble. También es de mencionar el final, tras acumular toda la tensión, el tema frena en seco. Si Helter Skelter pateaba culos más a lo bruto, esta va un poco más sigilosa, haciéndolo mediante sensaciones de tensión que se acumula durante toda la canción.

Here Comes The Sun es el segundo y último tema de George, y, para variar, es perfecto, otra vez. Si tuviera que decir una canción in-odiable, que nadie pudiera odiarla, sería esta. Es imposible. Transmite un buen rollo de la leche, la melodía es increíble, cálida, los arreglos son perfectos, es una canción apta tanto para gente que guste de música suave como para los más rockeros. Porque esta canción es la perfección formal en sí misma, no es necesario complejidad si tienes cosas así.

El último tema de la primera parte del disco es de John, Because. Es un tema raro, grabado a varias voces, pero que, que queréis que os diga, me gusta. A pesar de la rareza del tema. Los Beatles pueden hacer cosas simples y ser los mejores y hacer cosas raras y ser los mejores. ¿Por qué? Porque son los ___________. A quien adivine lo que va en el hueco, premio.

Ahora comienzan las minisuites. Aunque no haya tantos temas de rojo como parecería, tened en cuenta que cuando yo las pongo de rojo o azul estoy juzgando una canción individualmente, y es obvio que algunas aquí no tienen tanto valor individual como el que pueden alcanzar en conjunto (por algo son suites, leñe). You Never Give Me Your Money es de las mejores partes. Es de Paul y consta de varios trozos, incluyendo un solo de la hostia. Esta canción puede haber sido una de las que fue abriendo el camino a cosas como Bohemian Rhapsody. Le siguen tres de John. Sun King tiene una línea de guitarra que es la relajación hecha música, aunque no me gustan los coros que vienen detrás. Si la hubieran dejado con la guitarra, sería un temazo. Le siguen dos temas livianos para dar fluidez a la suite. Mean Mr. Mustard y Polythene Pam son similares en longitud y carácter. Por último, para terminar la minisuite, She Came In Through The Bathroom Window, de Paul, que es uno de los puntos álgidos de la suite.

La segunda suite comienza con Golden Slumbers, la más lenta de ellas, de Paul (como todas las de la segunda suite). Tiene una melodía muy bonita, y Paul canta una habilidad notable. Le sigue Carry That Weight, que retoma el motivo de You Never Give Me Your Money. Por último, otro punto álgido, The End, que incluye... ¡solos de los cuatro Beatles! Sí, Ringo incluido. Y finaliza con una frase filosófica que bien es cierta. "The love you take is equal to the love you make". Para terminar, tenemos una canción que se escapó por error en la producción, Her Majesty, que no aporta nada. Quizás el final de esta banda estaba en un número de veinte segundos como Her Majesty y no en The End.

En fin. Incluso me parece demasiado corto el análisis para lo que es este disco. Solo digo una cosa, si quieres que tu casa sea digna, debes tener esto. Si lo tienes y lo has escuchado, haces bien; si lo tienes guardado sin escuchar, ya puedes escucharlo ya; y si no lo tienes, ya sabes lo que tienes que hacer. Porque ya no se trata de gustos, se trata de música, se trata de calidad, se trata del mejor álbum jamás grabado por la mejor banda que ha existido sobre la faz de la Tierra.

Y yo no tengo nada más que decir.

The BEATLES - The Beatles (1968)

Nota: 9-

Lista de canciones:

1) Back In The U.S.S.R.
2) Dear Prudence
3) Glass Onion
4) Ob-La-Di, Ob-La-Da
5) Wild Honey Pie
6) The Continuing Story Of Bungalow Bill
7) While My Guitar Gently Weeps
8) Happiness Is A Warm Gun
9) Martha My Dear
10) I'm So Tired
11) Blackbird
12) Piggies
13) Rocky Raccoon
14) Don't Pass Me By
15) Why Don't We Do It In The Road?
16) I Will
17) Julia
-------------------------------------------
1) Birthday
2) Yer Blues
3) Mother Nature's Son
4) Everybody's Got Something To Hide Except Me And My Monkey
5) Sexy Sadie
6) Helter Skelter
7) Long, Long, Long
8) Revolution 1
9) Honey Pie
10) Savoy Truffle
11) Cry Baby Cry
12) Revolution 9
13) Good Night

Mejor canción: SEXY SADIE

El álbum blanco. Tenemos un álbum doble, de treinta canciones, concretamente. Por ello, es posible (casi seguro) que estemos ante el álbum más variado de los Beatles. Tenemos de todo. Baladas, rockers ultrapotentes, canciones más animadas, menos, la primera canción íntegramente compuesta por Ringo, la peor canción de la historia de los Beatles también está en este álbum...

Bueno. En primer lugar hemos de aclarar unas cosinas. Para empezar, recordamos que desde Rubber Soul los Beatles estaban produciendo álbumes sumamente redondos y perfectos, y eso lo podéis esperar de un álbum de 13 canciones, pero no de uno de 30. Es imposible. No pueden ser 30 clasicazos. Habrá clasicazos, sí, pero también habrá temas de relleno. No es difícil distinguirlos. Otra cosa es la pérdida de psicodelia. En 1967 los Beatles sacan dos álbumes psicodélicos, y en este la psicodelia parece que ya no está (alguna excepción puntual hay). Además, hay dos novedades. Bueno, tras ver que en los dos álbumes anteriores George solo compone una canción en cada uno (en lugar de dos, como suele hacer), pues en este compone cuatro (lógico, álbum doble, doble de George). Otra novedad es la primera canción escrita íntegramente por Ringo, Don't Pass Me By. Ringo hace dos apariciones vocales en este álbum, en la mencionada y en la última canción del disco, compuesta por John. Fijaos en que no estoy hablando mucho del estilo porque es un álbum supervariado donde convergen cojón y medio de estilos.

El álbum empieza genial con Paul imitando a los Beach Boys, Back In The U.S.S.R. es un tema bueno y divertido. Mejor aún es Dear Prudence, de Lennon, una balada en la que se va aumentando la tensión según avanza. Es un temazo. Glass Onion es relleno, aunque al final hay unos violonchelos que dejan una sensación rara. Ob-La-Di, Ob-La-Da es una canción superatractiva de Paul. John lo llamaba "pop para abuelitas", pues yo quiero pop para abuelitas si es como esta canción. Paul vuelve a mostrar, una vez más, que es el beatle con más talento para las melodías. Wild Honey Pie es un aborto, una canción de coña, no merece que hable mucho más de ella. The Continuing Story Of Bungalow Bill es rara y un tanto infantil pero acaba pegándose el temita. Llegamos a dos clásicos: While My Guitar Gently Weeps es un temazo de calidad de George en el que además participa el gran Eric Clapton. Para mí, una de las mejores canciones de George Harrison (lo cual es mucho teniendo en cuenta su estándar de calidad). La sigue Happiness Is A Warm Gun, de John, otro tema increíble. El tema entero es bueno pero la parte final, con esos coros y esa VOZ de John es impresionante. Después viene Martha My Dear, tema pop de Paul, también bueno, con unos arreglos de piano buenísimos. I'm So Tired no es un temazo pero, como el título sugiere, la voz de John da sensación de cansancio, lo cual es bueno para la canción. Blackbird es la típica balada de Paul, y, como casi siempre, muy buena. Piggies es el segundo tema de George, con fuerte contenido social. Se trata de un tema animado pero que tampoco es una canción increíble. Para mí, su composición más pobre del álbum, sin ser mala, ojo. Rocky Raccoon es un tema normalito de Paul, que puede dar más de sí. Don't Pass Me By es la primera composición en solitario de Ringo, y el tema no es un gran tema pero tampoco está mal. Why Don't We Do It In The Road? es un tema bruto de Paul en el que se repite la misma frase todo el rato. Puede dar más. I Will es una corta balada de Paul con una buena melodía. Por último, Julia, una gran canción de John, muy sentimental, dedicada a su madre fallecida.

Pasamos al lado B. Birthday está bien, es una canción rockera de Paul. Es mejor Yer Blues, de John, un tema blusero muy bueno. Mother Nature's Son también es muy buena, una balada de Paul similar a Blackbird, para mí, incluso mejor que ella. Everybody's Got Something To Hide Except Me And My Monkey (vaya título) es un rocker de John que está muy bien y es divertido. Sexy Sadie es de las mejores del álbum, una balada increíblemente construida de John. Me encanta. Probablemente, el mejor tema del álbum. Helter Skelter es la canción más violenta de los Beatles, de toda su historia. Es de Paul y pega que da gusto (para los que dicen que Paul es un blando y que solo puede hacer pop para abuelas). Al final, Ringo, tras su frenético ritmo de batería, grita quejándose de que tiene ampollas en los dedos, normal, es una canción muy bestia, atípica de los Beatles. Long, Long, Long es el tercer tema de Harrison. Es una balada superrelajante muy buena, transmite una gran sensación de tranquilidad. Después llega un tema que me deja frío, Revolution 1. Se trata de una versión acústica y floja de Revolution, muy superior. Una lástima que el sencillo Hey Jude / Revolution no esté en el álbum y sí versiones flojas como Revolution 1. Esta versión tampoco es mala, pero teniendo la original, pues ya me dirás... Le sigue Honey Pie, una balada floja e insulsa de Paul. Savoy Truffle es el último tema de George y es muy bueno. Es un tema bastante particular, con un estilo raro en George, muy movido, pero es muy bueno, otro gran tema que nos regala George. Después va una balada de John, Cry Baby Cry, que no está mal pero no tiene mucha cosa. Tiene un final bastante raro. Ahora llega el verdadero aborto. Revolution 9. Una movida rarísima que nunca debió existir. Es un tema de ocho minutos y ninguno de ellos memorable. Es de John y participa Yoko Ono, y eso no puede ser bueno. Yo lo escuché la primera vez que escuché el álbum, pero las demás veces me lo he saltado. Le quita mucha fluidez al álbum. Puedo afirmar, sin ninguna duda, que es la peor canción de la historia de los Beatles. Por último, Good Night, de John, cantada por Ringo, una balada estilo Disney, que, en fin, no está mal.

Bueno, pues aquí está el álbum más largo de los Beatles, el famoso álbum blanco. Un álbum de individualidades y de variedad, donde hay muchos temas flojos pero también muchos clásicos.

Magical Mystery Tour - The Beatles (1967)

Nota: 9-

Lista de canciones:

1) Magical Mystery Tour
2) The Fool On The Hill
3) Flying
4) Blue Jay Way
5) Your Mother Should Know
6) I Am The Walrus
7) Hello, Goodbye
8) Strawberry Fields Forever
9) Penny Lane
10) Baby You're A Rich Man
11) All You Need Is Love

Mejor canción: STRAWBERRY FIELDS FOREVER

Con este álbum, empezaré aclarando que este no es un álbum genuino, sino uno bastardo. Originalmente, era un EP en el que estaban las seis primeras canciones de este álbum. A él se le añadieron tres sencillos con sus dos lados (contando con que I Am The Walrus ya estaba incluida en el EP). Ahora, ese EP se ha excluido de la colección "en venta" de los Beatles y lo que se vende es el LP, lo que analizo ahora. Cabe aclarar que los sencillos incluidos, evidentemente, no se incluyeron en los Past Masters.

Este disco es el más psicodélico del grupo. Más que Pepper's, aunque ese salió antes y se lleva la gloria. En el disco del sargento Pimienta teníamos temas como Getting Better o Good Morning Good Morning, temás rockeros que se alejaban de la psicodelia predominante (aunque tuvieran algún que otro tinte, muy poco). Eso prácticamente no lo hay en el álbum que ahora analizo. Por ello, este álbum puede ser el favorito de los amantes de la psicodelia y quizás el menos favorito de los que gustan del rock más clásico y de los buenos riffs. También es el último álbum íntegramente psicodélico de los Beatles, pues en los siguientes habrá temas psicodélicos, pero no serán estrictamente psicodélicos. De hecho, el próximo, el álbum blanco, destaca por su variedad (treinta canciones dan para eso). Pues pasamos a comentar los temas.

El primero es el tema titular, es un tema peculiar y que puede resultar pegadizo de primeras pero que luego no es para tanto, es extremadamente repetitivo, eso sí, la melodía no se te quita de la cabeza. Es de Paul. El tema siguiente también, y este sí es realmente bueno. Se trata de The Fool On The Hill, una balada perfecta de McCartney acompañada de unos buenos arreglos, sobre todo de una flauta que engrandece la canción enormemente. Candidato a mejor balada de Paul (cosa difícil teniendo en cuenta el nivel en baladas de Paul) y a mejor tema del álbum (cosa difícil viendo los clásicos que hay en él).

El siguiente es Flying, un instrumental, escrito por los cuatro Beatles. No es gran cosa, aunque tampoco es un aborto como el instrumental del próximo álbum (prefiero no nombrarlo). Está claro que los Beatles no son los Who en cuanto a temas instrumentales.

Ahora llega el tema Blue Jay Way, el único tema de George. Parece que no le molaba mucho el rock psicodélico, en los dos álbumos del 67, solo una canción en cada uno (en Revolver había dado tres). El tema, en este caso, también es psicodélico, y bastante oscuro, por cierto. Me gusta el estribillo pero la canción entera no me termina de atraer.

Volvemos a un tema de Paul, en este caso Your Mother Should Know, un tema animadillo y melódico, pero un poco plano. No está mal pero Paul puede dar mucho más.

Ahora llegamos a uno de los grandes clásicos absolutos del género del rock psicodélico. I Am The Walrus es un temazo absoluto de John. Se trata de un tema claramente psicodélico, con una letra surrealista y unos arreglos impecables. La canción no tiene fallos es perfecta.

Hasta aquí el EP original. Empezamos con los cinco temas del final. El siguiente es de Paul y es el lado A de I Am The Walrus y es uno de esos casos en los que el B es mejor que el A. Aun así, la canción de Paul es buena, con una letra estúpida e infantil pero no importa teniendo en cuenta la calidad de la melodía y que la canción, cómo decirlo, se pega. Bastante.

El siguiente sencillo es el formado por Strawberry Fields Forever y Penny Lane. La primera es otro clásico absoluto del rock psicodélico, de John también, y si bien la mayoría de gente prefiere I Am The Walrus, yo las considero al mismo nivel, aunque si me obligaran a elegir, elegiría esta. Es un tema con unos magníficos arreglos psicodélicos. Penny Lane es un tema más suave de Paul. Los arreglos son muy buenos y el tema es un clásico merecido. Es inmortal el solo de trompeta píccolo tocado por David Mason.

La última pareja es la formada por dos canciones de John. Una es una canción un tanto ramplona, Baby You're A Rich Man, que no es mala pero no llega al estándar beatle. La otra es otro clásico, en este caso no del rock psicodélico pero sí de la historia. All You Need Is Love es tan clásico que se convirtió, prácticamente, en un himno 'hippie'. La canción abre con la Marsellesa y está fenomenalmente arreglada. Hay quien la critica diciendo que sin los arreglos sería ramplona, pero eso es música ficción, y estamos juzgando realidades. Es decir, yo estoy analizando la canción con los arreglos y no me voy a poner a decir que sin ellos sería no-sé-qué. Es como si digo que Stairway To Heaven no sería tanto sin el solo de Jimmy Page o que Light My Fire sería peor sin los solos de Ray Manzarek y Robbie Krieger, PUES CLARO, pero eso lo podemos hacer con todas las canciones habidas y por haber y, como veis, no tiene mucho sentido.

En conclusión, este álbum, el más psicodélico del grupo, es posible que no sea tan regular como su antecesor, pero es claro que los picos son más fuertes (hablo de I Am The Walrus y Strawberry Fields Forever), y eso también hay que contarlo. El que inició la revolución fue Pepper's, pero este no le desmerece en absoluto.